Sverre Fehn

Stedene, tiden og likegyldigheten

Publisert 25. august 2018
Rampen i borggården, Hedmarksmuseet, Hamar, 1967-2005. Arkitekt: Sverre Fehn. Rampen vakte sterke reaksjoner da museet først åpnet. –Den ødelegger rommet, hevdet noen.  Foto: Helene Binet for Arkitektur N
Artikkel

Likegyldigheten er det verste

Av Ragnar Pedersen, Kirsti Krekling

Rampen i borggården, Hedmarksmuseet, Hamar, 1967-2005. Arkitekt: Sverre Fehn. Rampen vakte sterke reaksjoner da museet først åpnet. –Den ødelegger rommet, hevdet noen.  Foto: Helene Binet for Arkitektur N
Foto: Helene Binet for Arkitektur N

Likegyldigheten er det verste

Arkitekt Sverre Fehn (1924-2009) arbeidet aktivt med historiene både i og rundt sine prosjekter. I 1989 snakket han med Ragnar Pedersen og Kirsti Krekling på Maihaugen om forskjellige måter å forholde seg til historien på. – Likegyldighet er det verste, sier Fehn.

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden i Hamar åpnet i 1974, men Fehn arbeidet videre med anlegget gjennom flere etapper til de siste delene i borggården sto ferdig i 2005.

I et intervju med Ragnar Pedersen og Kirsti Krekling på Maihaugen i 1989 diskuterte Fehn sitt arbeid med middelalderruinene og Storhamarlåven. Deler av intervjuet ble trykket i Museumsnytt samme år, men deler av samtalen har aldri vært publisert.1 

Sverre Fehns tese om at man må "manifestere nuet for å få fortiden i tale" er velkjent blant arkitekter, men settes kanskje oftest i sammenheng med for eksempel Venezia-charterets åpning for kontrast heller enn kopiering i omgangen med bevaringsverdige bygninger. Vi har lett for å anta at Fehn med "å manifestere nuet" først og fremst mener at en modernistisk arkitektur bør få eksistere side om side med det gamle.

Men Fehn går lenger, mye lenger, i denne samtalen, og snakker om aggresjon, nødvendig aggresjon, i omgangen med fortiden. Arkitektur N er glade for å kunne bringe Fehns tanker på banen i diskusjonen om Regjeringskvartalet og Høyblokka. Diskusjonen om Storhamarlåven er fremdeles aktuell.

Ingerid Helsing Almaas og Einar Bjarki Malmquist

....

Ragnar Pedersen: Det er ett av dine elementer i Storhamarlåven som virker provoserende på mange: Den store rampen som svinger seg ute i gården. Mange ser det som at den ødelegger et rom. … Vi er veldig glad i rampen, for med den tilstede kan ikke ruinene betegnes som tegninger fra fortiden. Men enkelte antikvarer sier at du skjærer inn i det opprinnelige.

Sverre Fehn: Hvis du i din fantasi bygger opp bygningene, så skjærer rampen opp hele den imaginære verden de står og forestiller. Sånn kan du si at den er brutal eller aggressiv.

RP: Det er et interessant uttrykk du bruker der, og det er også et filosofisk spørsmål: Om aggresjon er noe negativt. Skal alt i museet være i harmoni? Kan det tenkes at et museum er aggressivt?

Militærhistorisk museum, Dresden, 2011. Arkitekt: Architekt Daniel Libeskind AG (ADL) med Studio Daniel Libeskind (SDL).  Foto: Hufton+Crow Photography / SDL

Militærhistorisk museum, Dresden, 2011. Arkitekt: Architekt Daniel Libeskind AG (ADL) med Studio Daniel Libeskind (SDL). 

Military History Museum, Dresden, 2011.

Foto: Hufton+Crow Photography / SDL

SF: Det, eller aktivt, kan man si. Det er å sette det på spissen, men jeg ser museer som en aggresjon i nuet, eller fortiden satt opp mot nuet. Det er ingen harmoni. Dette er en voldsom ting som vi sliter med. Jo større aggresjon du kan ha mot det, jo mer harmoniserer du deg med fortiden. Det er å si det absurd. Men det har noe med det kreative menneske å gjøre. Likegyldighet er det verste, harmoni er det nest verste. Du kan ikke egentlig få en harmoni. Museene bør ha en større aggresjon, kan man si. Et aggressivt angrep på lovene og på alt sammen. Dermed får man dialogen i gang, og man får også visualisert ruinen, og du får den som en verdi, altså. Noe du kan ta stilling til, for å si det sånn.

SF: Du går ikke inn på et museum for å få harmoni; du går inn for å kunne protestere mot dårlige malerier. Du synes det er motbydelig, mange ganger. Men du kommer i posisjon, blir et levende menneske av det og kan ta stilling til deg selv. Ved objektets prestasjon begynner du å oppdage deg selv, og det er vesentlig. Din egen verdi på grunn av avvisninger og på grunn av kjærlighet. Det er jo ikke bare kjærlighet, det er voldsomme ting som skjer i et kjærlighetsforhold.

RP: Der mener jeg egentlig vi er kommet til kjernen ved det et museum er. Veldig mange museumsfolk oppfatter museet som harmoni. Og de som ikke oppfatter det slik, de oppfatter det som en mulighet for direkte påvirkning, som politikk. Det blir veldig fort uaktuelt. Det blir bare påvirkning og opinionsdannelse. Men noen dialog med deg selv blir det ikke.

SF: Nei, det er det det ikke blir. Det er den dialogen som er museenes verdi. Jeg er jo en museumsmann, jeg lever i museer når jeg er ute og reiser. Har ingen andre steder. Ikke går jeg i nattklubber. Jeg mener, det er der du er. Og på museene får du jo veldig mye samtaler med deg selv.

RP: Det vi må unngå i museumsteknikken, det er i hvert fall at du er likegyldig?

SF: Likegyldigheten er det verste. Man kan si estetiseringen. Det er et farlig ord å bruke, men at det blir for pent, kan man si. At det ikke har noe uttrykk i seg selv. 

Militærhistorisk museum, Dresden, 2011. Fra utstillingen.  Foto: Hufton+Crow Photography / SDL

Militærhistorisk museum, Dresden, 2011. Fra utstillingen. 

Military History Museum, Dresden, 2011. Inside the exhibition.

Foto: Hufton+Crow Photography / SDL


RP: Det du sier nå, har vært forklart av to ting. Gjennom museet får du noe du mangler i vår tid, i en tid hvor verdiene skifter. Du får noe som er tidløst og noe som er aggressivt.

SF: Du bevisstgjør deg selv. Du får et eget verd fordi du møter en harmoni eller aggresjon.

RP: Kanskje det er derfor museene er interessante?

SF: Kanskje. Du får ikke det i en religiøs situasjon.

“Du går ikke inn på et museum for å få harmoni. Du synes det er motbydelig, mange ganger. Men du kommer i posisjon, blir et levende menneske av det og kan ta stilling til deg selv.”

RP: Religionen er svekket. Det eneste stedet som blir igjen i samfunnet hvor du kan møte deg selv, er museet. Derfor må det ikke være likegyldig, men aggressivt.

SF: Det er der den moderne arkitektur har utfoldelse. Vi har jo med det å skape omgivelser for menneskene å gjøre. De rom du skaper rundt objektene, tiltrekker menneskene. Hvis du har et objekt, skaper du et rom du mener det objektet trenger. Det tiltrekker menneskene, hvis det er vellykket skal de inn der og se. Menneskene kommer for å se og oppleve harmoni eller aggresjon i den historien. 

Det er som å gå inn i en verden hvor en stor fortelling fortelles. Du tenker jo krig når du har en kule. Men går du til kulen eller våpenet sånn, så har vi jo skaffet oss et våpen som eliminerer alt liv. Det er materialismens seier, den rører ikke objektene. Hvis den bomben, som er så vellykket, eksploderer, blir kloden bare full av objekter. Uten liv, hvis du skjønner. Gjenstanden i seg selv greier seg, du får et materialistisk univers som farer videre.

Det store museum er i grunnen kloden selv. Den beste konservator er kloden selv. Praktfullt. Men nå har vi plutselig muligheten til å gjøre den om til et totalmuseum, bare uten besøk. Det er perspektiver.

Teksten er utdrag av en transkripsjon av det opprinnelige intervjuet. Redaksjonens få redigeringer er godkjent av Kirsti Krekling.

 
Rampen i borggården, Hedmarksmuseet, Hamar, 1967-2005. Arkitekt: Sverre Fehn. Rampen vakte sterke reaksjoner da museet først åpnet. –Den ødelegger rommet, hevdet noen.  Foto: Helene Binet for Arkitektur N

Rampen i borggården, Hedmarksmuseet, Hamar, 1967-2005. Arkitekt: Sverre Fehn. Rampen vakte sterke reaksjoner da museet først åpnet. –Den ødelegger rommet, hevdet noen. 

Ramp across the court, archbishop's castle, Hamar, 1967-2005. Architect: Sverre Fehn. The ramp provoked strong reactions when the museum first opened.

Foto: Helene Binet for Arkitektur N
Noter
  1. Ragnar Pedersen: "Storhamarlåven : et bygningshistorisk konglomerat". Museumsnytt, nr. 1/2 1989, s. 26-29.
English Summary
The worst thing is indifference

By Ragnar Pedersen and Kirsti Krekling

– I see museums as an aggression in the present, or a posing of the past against the present. There is no harmony, says Sverre Fehn. In this partly unpublished interview from 1989, Fehn expands on his famous tenet that “you can only speak with the past by manifesting the present”. Fehn argues that aggression is necessary, that harmony is not an aim. –The worst thing is indifference, he says. –Harmony is the second worst. But this aggression that you meet when you enter a museum puts you in position as a live human being, so you can discover yourself. That is the significant thing.

This interview was conducted in March 1989. Parts were published in issue no. 1-2 of Museumsnytt, 1989. Read the whole interview in English at www.architecturenorway.no.

Likegyldigheten er det verste
Ragnar Pedersen
Ragnar Pedersen er konservator ved Hedmarksmuseet og professor i etnologi ved universitetet i Oslo.
Likegyldigheten er det verste
Kirsti Krekling
Kirsti Krekling er konservator på Maihaugen, Lillehammer.
Likegyldigheten er det verste
Publisert på nett 19. januar 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 4 – 2014. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Stikkord Sverre Fehn
Trappen i museet.  Foto: Hélène Binet
Artikkel

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden, foto

Av Hélène Binet

Inngangen og borgporten Foto: Hélène Binet
Foto: Hélène Binet

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden, foto

Sverre Fehn – Hamar 1967-2005

Hedmarksmuseet, Storhamarlåven, er et av Fehns mest kjente arbeider og enestående i norsk moderne arkitektur.

Arbeidet med det nye museumsbygget fulgte Sverre Fehn gjennom lange perioder av hans karriere. Det ble påbegynt i 1967, etter at de arkeologiske undersøkelsene på stedet var avsluttet. Daværende museumsbestyrer Per Martin Tvengsberg hadde Sverre Fehns som lærer på Arkitekthøgskolen i Oslo, og Fehn fikk i direkte oppdrag å tegne et forprosjekt. Byggearbeidene ble påbegynt i 1969, låven sto ferdig i 1971 og sydfløyen med auditoriet i 1973. Utstillingene ble ferdigstilt under den nye museumsbestyrer Ragnar Pedersen og sto ferdig i 1980. Paviljongene i borggården sto ferdig i 2005.

Arkitektur N inviterte fotograf Hélène Binet til å ta nye bilder av anlegget.

 
Trappen opp til aulaen. Foto: Hélène Binet

Trappen opp til aulaen.

Stair to the auditorium.

Foto: Hélène Binet
 
Trappen i museet.  Foto: Hélène Binet

Trappen i museet. 

Staircase in the museum.

Foto: Hélène Binet
 
Inngangen og borgporten Foto: Hélène Binet

Inngangen og borgporten

Mai entrance an "borgporten"

Foto: Hélène Binet
 
Rampen opp fra hovedinngangen. Foto: Hélène Binet

Rampen opp fra hovedinngangen.

Ramp up from the main entrance. 

Foto: Hélène Binet
 
Rampen i borggården. Foto: Hélène Binet

Rampen i borggården.

Ramp across the castle court.

Foto: Hélène Binet
Åpning i borgmuren. Foto: Hélène Binet

Åpning i borgmuren.

Opening in the castle wall.

Foto: Hélène Binet
 
Foto: Hélène Binet
Foto: Hélène Binet
Rampen gjennom vestfløyen. Foto: Hélène Binet

Rampen gjennom vestfløyen.

Ramp through the west wing. 

Foto: Hélène Binet
 
Rampen gjennom vestfløyen.  Foto: Hélène Binet

Rampen gjennom vestfløyen. 

Ramp through the west wing. 

Foto: Hélène Binet
 
Fra utstillingen, rampe langs gårdsbrenneriet. Foto: Hélène Binet

Fra utstillingen, rampe langs gårdsbrenneriet.

From the exhibition, ramp along the farm distillery

Foto: Hélène Binet
 
Fra utstillingen. Glassgjenstander er holdt frem i dagslyset.  Foto: Hélène Binet

Fra utstillingen. Glassgjenstander er holdt frem i dagslyset. 

From the exhibition.

Foto: Hélène Binet
 
Takkonstruksjonen over del av en hestedrevet treskemaskin. Foto: Hélène Binet

Takkonstruksjonen over del av en hestedrevet treskemaskin.

Timber roof structure above a part of a mechanical thresher.

Foto: Hélène Binet
 
Rampen over borggården. Foto: Hélène Binet

Rampen over borggården.

Ramp across the courtyard.

Foto: Hélène Binet
 
Fra borggården. Foto: Hélène Binet

Fra borggården.

From the castle court.

Foto: Hélène Binet
 
Fra borggården.  Foto: Hélène Binet

Fra borggården. 

From the castle court.

Foto: Hélène Binet
Rampen gjennom borggården møter bakken. Foto: Hélène Binet

Rampen gjennom borggården møter bakken.

From the courtyard, where the ramp touches the ground.

Foto: Hélène Binet
Fra rampen over borggården. Foto: Hélène Binet

Fra rampen over borggården.

From the ramp across the castle court.

Foto: Hélène Binet
Borggården med vernebygget over det sist utgravde 
hvelvet. Foto: Hélène Binet

Borggården med vernebygget over det sist utgravde hvelvet.

Castle court with the protective structure over the latest excavation, a cellar vault. 

Foto: Hélène Binet
Storhamarlåven. Hedmarksmuseets låveform plassert på de gamle borgmurene. Foto: Hélène Binet

Storhamarlåven. Hedmarksmuseets låveform plassert på de gamle borgmurene.

The barn form of the museum sits atop the mediaeval castle ruins. 

Foto: Hélène Binet
Vernebygget over bispeborgens hjørnetårn. Foto: Hélène Binet

Vernebygget over bispeborgens hjørnetårn.

Protective structure above the corner tower of the archbishop‘s castle.

Foto: Hélène Binet

Tegninger:

Situasjonsplan

Situasjonsplan

Location plan

Third floor plan.

Third floor plan.

Plan 3. et.

Plan 2. et.

Plan 2. et.

Second floor plan.

Plan 1. et.

Plan 1. et.

First floor plan. 

Fasade og snitt

Fasade og snitt

Facade and section

Snitt gjennom borggården.

Snitt gjennom borggården.

Section through the castle yard.

Snitt

Snitt

Section.

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden, foto
Hélène Binet
Arkitekturfotograf
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden, foto
Publisert på nett 19. januar 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 7 – 2009. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Marokansk primitiv arkitektur
Artikkel

Marokansk primitiv arkitektur

Av Sverre Fehn

Marokansk primitiv arkitektur

Tegninger og foto ved forfatteren

I 1952-53 dro Sverre Fehn til Marokko, etter råd fra Jørn Utzon, for å studere den tradisjonelle marokkanske murarkitekturen, en erfaring som kom til få stor betydning for ham og hans tanker om arkitektur. De mange skissene og notatene fra reisen ble blant annet oppsummert og presentert i Byggekunst nr. 5-1952.

Marokansk primitiv arkitektur
Marokansk primitiv arkitektur
Marokansk primitiv arkitektur
1
Marokansk primitiv arkitektur
Marokansk primitiv arkitektur
2
Marokansk primitiv arkitektur
Marokansk primitiv arkitektur
Publisert på nett 18. august 2016. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 5 – 1952. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Stikkord Sverre Fehn Marokko
3
Fra den nordiske paviljongen i Venezia. Arkitekt: Sverre Fehn.  Foto: Nasjonalmuseet arkitektur
Artikkel

Om fortellinger: Arkitektur og identitet

Av Marc J. Neveu

Fra den nordiske paviljongen i Venezia. Arkitekt: Sverre Fehn.  Foto: Nasjonalmuseet arkitektur
Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Om fortellinger: Arkitektur og identitet

I et intervju med Playboy i 1964 ble Vladimir Nabokov spurt om sin identitet. Han svarte: «Jeg er en amerikansk forfatter, født i Russland og utdannet i England, hvor jeg studerte fransk litteratur, før jeg så tilbrakte femten år i Tyskland.»1 Det er en leken reaksjon på de virkelighetene mange av oss lever med i en virkelig global verden. På samme måte som spørsmålet om «hvor man er fra» blir mer og mer komplisert å svare på, skjer dette også med arkitekturens identitet. Det er ikke uvanlig i dag at et prosjekt i Dubai, for eksempel, kan være tegnet av en arkitekt som er født i Irak, men som er utdannet i London og nå underviser i Wien. Et slikt bygg vil også ofte være tegnet at ett kontor, mens et annet tar seg av arbeidstegninger og administrerer oppføringen. Den artikkelen du er i gang med, er trykket i et tidsskrift som spesifikt kaller seg The «Norwegian» Review of Architecture (forf.s anf.tegn). Selv om tidsskriftet med jevne mellomrom også publiserer artikler om bygg fra andre nasjoner og kulturer, fokuserer det helt tydelig på arkitektur som er bygget i Norge eller av norske arkitekter, og ikke for eksempel «betongarkitektur» eller «fargerik» arkitektur eller «samtidig arkitektur» som sådan. Så hva betyr det å være en norsk arkitekt eller å lage norsk arkitektur? Mens Christian Norberg-Schulz fremdeles kaster lange (nordiske) skygger, er dette også i dag et ladet spørsmål.

“Hele livet har jeg prøvd å komme vekk fra den nordiske tradisjonen. Men jeg har kommet til at det er vanskelig å komme vekk fra seg selv.” – Sverre Fehn, Architecture + Urbanism, januar 1999.

Programmet for en nasjonal paviljong stiller dette spørsmålet helt klart innenfor arkitektoniske rammer. Den nordiske paviljongen på Venezia-biennalen (1958–1962), tegnet av Sverre Fehn for å representere Sverige, Finland og Norge, er et prosjekt som man kan anta på en eller annen måte forholder seg til spørsmålet om en nordisk identitet. Selv om det er skrevet mye – spesielt i dette tidsskriftet – både om paviljongen og dens Pritzkerprisvinnende arkitekt, er det få av forfatterne som har nærmet seg emnet gjennom spørsmålet om fortelling. Det er underlig at man så langt har oversett dette, for i mange intervjuer og artikler trekker Fehn selv opp en analogi mellom bygging og fortelling, og mellom materialer og språk.2 Jeg vil påstå at disse to tingene – identitet og fortelling – faktisk henger sammen, og i dette essayet skal jeg forfølge den arkitektoniske identitetens vesen gjennom fortelling. For å få til dette vil jeg benytte meg av konklusjonen i Richard Kearneys vidunderlige essay On stories. I denne teksten imøtegår Kearney påstanden om at man kontinuerlig erklærer historiefortellingen er død, ved å trekke frem fire overskrifter fra ulike modeller fra narrativ teori: handling (mythos), gjenskaping (mimesis), forløsning (catharsis), visdom (phronesis) og etikk (ethos).3 Selv om Fehn ikke setter navn på disse temaene når han diskuterer sine prosjekter, vil jeg vedde på at de kan benyttes i og berike både forståelsen av hans arbeid og forholdet mellom arkitektur og identitet.

1. handling (mythos)

Ifølge Kearney er alle fortellinger knyttet til en situasjon, og fortelles i tid. Kearney refererer til Aristoteles for å forklare handlingens betydning som noe som inkluderer en fortelling, en fabel eller fantasi, og i en bearbeidet struktur. Dostojevskys Hvite Netter, for eksempel, kunne ikke funnet sted i en by nær ekvator der sommernettene er mørke, og vi kunne heller ikke ha visst i begynnelsen at hovedpersonen kommer til å ende opp alene på en benk. Kearney setter en slik forståelse av handling i sammenheng med hvordan vi lager våre egne liv. 

Plan av paviljongen i Venezia, til høyre. USAs paviljong til venstre. Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

Plan av paviljongen i Venezia, til høyre. USAs paviljong til venstre.

Plan, Venice pavilion. The USA pavilion to the left.

Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

En fortelling markerer, organiserer og forklarer delene av vår erfaring fra vi sier vårt første ord til vi dør. Denne fortellingens struktur er imidlertid ikke noe forhåndsbestemt som vi påtvinges; i likhet med en forfatter organiserer vi og beskriver aktivt våre liv. Kearney refererer til filosofen Paul Ricoeur, som beskriver evnen til å lage en forståelig helhet av vårt livs historie som en «ulikhetenes syntese». Det samme kan sies om arkitektur, og i særlig grad om Fehn og hans arbeid i Venezia.

“Selv om det er skrevet mye, spesielt i dette tidsskriftet, både om paviljongen og dens Pritzkerprisvinnende arkitekt, er det få av forfatterne som har nærmet seg emnet gjennom spørsmålet om fortelling.” 

Fehn fikk en tomt i de offentlige hagene mellom USAs og Danmarks paviljonger, på sekundæraksen Viale Trento. Hagene, Il Giardini, fremstår som en uvanlig form for urbanisme: Hver av paviljongene er nasjonal; programmet de inneholder er kun utstilling; byggene står ubrukte mesteparten av året; hele tomta ligger inne i en stor park, og det er ingen fulltidsbrukere. Med utgangspunkt i disse forutsetningene har Fehn tegnet et tilsynelatende enkelt prosjekt. Paviljongens sydøstre hjørne graver seg inn i en skråning. De to motsatte veggene mot nord og vest var ment å være åpne, slik at de ganglinjene som allerede var etablert, kunne fortsette fritt gjennom bygningen og utstillingene. I den endelige løsningen kan begge disse fasadene fremdeles åpnes, med unntak av en trapp i den sydlige enden av vestveggen. Denne trappen inneholder et lite lager og gir atkomst til tomten bak. Store skyvevegger i glass er satt en akse inn fra kanten av takutstikket, som holder regnet ute ved hjelp av det gjennomskinnelige glassfiberdekket som er drapert mellom dragerne. Veggene avsluttes i en ikonisk takkonstruksjon av tynne betongbjelker. Bjelkelagene løper i rett vinkel på hverandre slik at konstruksjonen hindrer direkte sollys i å nå gulvet. Åpninger i konstruksjonen slipper de eksisterende trærne opp gjennom taket. I oppriss svarer rytmen i takkonstruksjonen til mønsteret av triglyfer i fasaden på USAs paviljong ved siden av. Fehn har skapt en syntese av en rekke eksisterende, ulike elementer: Ganglinjer, trær, topografi, været, kontekst og naturlig lys går inn i et sammenhengende prosjekt for å stille ut kunst fra de nordiske landene. Prosjektet er velplassert og kunne ikke ligget noe annet sted og fungert på samme måte. Men hvordan er denne handlingen, denne fortellingen, satt sammen, og er det noen forskjell mellom denne og andre av Fehns arbeider? For å svare på dette trekker jeg inn Kearneys neste overskrift.

2. gjenskaping (mimesis)

Det andre temaet Kearney introduserer, er gjenskaping, også kalt mimesis. Dette er ikke en passiv imitasjon av naturen eller, enda verre, kitsch, men snarere en oppfinnsom gjendiktning som fanger de virkelige betydningene i våre liv. Igjen bygger Kearney på Paul Ricoeurs narrative teorier. Ricoeur beskrev gjenfortellingen av våre liv som en sirkel av tredobbel mimesis: først en forestilling om livet slik det venter på å bli fortalt, så en fremstilling av teksten idet den fortelles (beskrevet ovenfor som utviklingen av en handling), og til slutt en nyinstilling av vår eksistens idet vi kommer tilbake fra fortellingen og går fra tekst til aktiv gjerning. Da Fehn ble spurt om hvordan han begynner på et prosjekt, svarte han: «Ved å falle i søvn – jeg drømmer om temaet hinsides enhver realisme, og derfra begynner jeg å samle all informasjon, før jeg til slutt kan sy sammen historien.»4 Idet Fehn gjør dette, beveger han seg fra historien (teksten) til å lage arkitektur (aktiv gjerning). For å stille spørsmålet igjen: Hvilken historie er det Fehn forteller oss? Hvordan kan vi lese denne bygningen?

Skisse, Sverre Fehn. Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

Skisse, Sverre Fehn.

Sketch, Sverre Fehn.

Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

Fehn vant konkurransen om utformingen av Veneziapaviljongen etter at han hadde ferdigstilt den norske paviljongen i Brussel. På mange måter reflekterer prosjektet i Venezia noen av de temaene Brussel-prosjektet tar opp. Begge defineres av et artikulert takelement, begge var opprinnelig tenkt prefabrikkert for å settes sammen på tomten, begge bruker et minimalt antall rom for å definere sine rom, begge visker ut forskjellen mellom inne og ute, og begge er organisert i sammenheng med tomten. Allikevel er de to prosjektene svært forskjellige. Betongen i dragerne gir sammen med den typiske venetianske hvite kalksteinen et helt bestemt, men samtidig velkjent lys. Venezia-prosjektet ble til slutt plassbygd på grunn av kostnadene. De innvendige rommene defineres mer av trærne og bevegelsesretningene enn av veggene. På mange måter er både den mimetiske nytegningen av tomten i Venezia og av den tidligere paviljongen i Brussel en form for oversettelse. Men Fehns Venezia-paviljong er en svært spesifikk tilnærming til oversettelsen.

“... det virker mer på sin plass å tenke seg at bygningens form og retninger ikke handler om bestemte formreferanser, men om en følsom nyinnstilling av tomten, av de konstruktive virkemidlene og av programmet. ” 

I teksten «Experiences in Translation» beskriver Umberto Eco flere variasjoner av oversettelser. En av disse, omskrivningen, bruker James Joyce’s Finnegan’s Wake som eksempel. Språket i Finnegan’s Wake er svært problematisk i en mellomspråklig oversettelse, fordi teksten, som Eco poengterer, er en flerspråklig tekst, skapt av en engelskspråklig forfatter og avhengig av spill og assosiasjoner til lyder, samt betydning og bilder i det engelske språket. På en måte er Finnegan’s Wake allerede en oversettelse fra engelsk! Da Joyce ble forespurt om muligheten for en oversettelse til italiensk, insisterte han på å gjøre den selv, og det samme var tilfellet med den franske versjonen. For å oversette teksten til et annet språk måtte Joyce bruke andre tanker og forestillinger. For eksempel skulle teksten justeres i forhold til et annet språk (italiensk) som ikke har så mange enstavelsesord, som har en annen etymologi, i tillegg til færre distinkte rytmer, rim og referanser enn det opprinnelige språket. Resultatet er en tekst som ikke er en direkte oversettelse, men en omskrivning, og lange avsnitt ligner overhodet ikke originalen. Det samme har Fehn gjort i paviljongen i Venezia. Heller enn simpelthen å mime den norske paviljongen i Brussel, eller enda verre, et norsk laftehus, har han gjort prosjektet til en oppfinnsom oversettelse, ment for en ny sammenheng.

Kenneth Frampton har argumentert for at bygningens kvadratiske plan, og særlig hjørnet, er en referanse til Dogepalasset. Han antyder også at den effektive takkonstruksjonen er et resultat av innflytelsen fra Jean Prouvé. Frampton går til og med så langt som til å hevde at det gjennomskinnelige glassfibertaket som henger mellom dragerne, er hentet fra lerretstaket på en Citroen 2CV. Det kan være. Men det virker mer på sin plass å tenke seg at bygningens form og retninger ikke handler om bestemte formreferanser, men om en følsom nyinnstilling av tomten, av de konstruktive virkemidlene og av programmet. Med andre ord er prosjektets mening ikke avhengig av referanser til en klassisk fransk bilmodell eller et venetiansk monumentalbygg, men snarere av forholdet til eksisterende trær, til tomtens helling, til de opprinnelige ganglinjene, til byggemåter og til selve paviljongfunksjonens karakter. Men dette leder til et nytt spørsmål, og til vår neste overskrift. Hva er det ved paviljongen som er spesifikt «nordisk»?

Detalj av konstruksjonen med overlys gjennom glassfiber. Foto: Nasjonalmuseet arkitektur
Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Detalj av konstruksjonen med overlys gjennom glassfiber.

Detalj av konstruksjonen med overlys gjennom glassfiber.

3. forløsning (catharsis)

Ifølge Kearney vever en mimetisk gjerning sammen fortid, nåtid og fremtid, der alle hendelser ses som noe som akkumuleres og har en retning. Historier endrer oss og tar oss med til steder som i sin karakter representerer noe helt annet. På denne måten kan vi oppleve en utløsning, en katarsis. 

Opplevelsen av katarsis fordrer avstand og objektivitet, men også engasjement og empati. Ifølge Kearney er det «nettopp denne dobbeltheten mellom forskjell og identitet – det å oppleve seg selv som en annen og en annen som seg selv – som framprovoserer en dreining i vår naturlige holdning til ting og åpner oss for nye måter å se ting og tro på ting.»5 

“Når man har vært i Venezia en stund, venner øynene seg til et lys som alltid reflekteres og projiseres, fra de glitrende kanalene til det honninggylne lyset i mosaikkene i San Marco. Men for en kort stund, under Biennalen, kan den reisende finne og kjenne igjen et annet lys, som ikke finnes noe annet sted på øya.” 

Det var nettopp denne nye måten å se velkjente arkitektoniske elementer på som Fehn diskuterte da han kom tilbake fra en reise til Marokko. Han sa: «Man føler plutselig at vegger ikke er bare for å bære et tak eller «lage» et hus, men at de i det ene øyeblikket er laget for å danne skygge for solen, i det neste for å være ditt ryggstø, om høsten stativet for å tørke dadler på, om våren en tavle for barn til å tegne på. Det samme med tak og golv. Hele husets forskjellige deler er oppfattet som bruksgjenstander.»6 Han fortsatte: «Når en i dag reiser sydover til Fransk Marokko for å studere primitiv mural arkitektur, er det ingen oppdagelsesferd for å oppdage nye ting. En gjenkjenner.»7 Når Fehn snakket om sin reise til Marokko, var det mindre som turist som ser på en primitiv kultur, enn som en reisende som gjenkjenner sine egne skapelsesprosesser i andres arbeider.8

På sine reiser i Italia ble Fehn berørt av lysets kvaliteter. Han forklarte: «Bygger du fx. i Grækenland, så skaber lyset det meste af din arkitektur. Du behøver bare at ridse i marmoren med neglen, og ridsen er synlig. Heroppe i det nordiske lys vil den slet ikke kunde ses. Disse faktorer gør, at vores arkitektoniske verden bliver skyggeløs.»9 Her er det jeg vil hevde at Fehn har opplevd en katarsis. Gjennom sine reiser langt hjemmefra har han plutselig sett den distinkte kvaliteten i det nordiske lyset. Og så blir prosjektet å gjenfinne denne nordiske lyskvaliteten i en ny sammenheng. Han forklarte at målet med prosjektet var å «bygge et tak som beskyttet bilder og skulpturer mot direkte sollys, og å gi en stemning av det skyggeløse Skandinavia der disse arbeidene var blitt til».10 Men det er ikke bare Fehn, det er også paviljongens publikum som opplever en forløsning.

Reiseskisse fra Venezia, 1993. Sverre Fehn. Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

Reiseskisse fra Venezia, 1993. Sverre Fehn.

Travel sketch from Venice, 1993. Sverre Fehn.

Foto: Sverre Fehn samlede arbeider, Orfeus forlag, 1997.

Når man går inn i paviljongen, sanser man en endring, men det er ikke den samme som når man trer inn i de andre paviljongene. Lyset endrer seg, men det er en gradvis endring, og det er vanskelig å si akkurat hvor du er kommet helt inn i det. Jeg har bare sett et slikt lys noen få andre steder. En gang i Myyrmäki kirke i Vantaa i Finland av Juha Leiviskä; jeg vandret inn der en sommerettermiddag og ble slått av det rolige, jevne lyset. Det var kanskje de nordiske landenes «skyggeløse» lys slik Fehn beskriver det. Fehn gjør seg imidlertid ikke avhengig av utslitte klisjeer om nordisk identitet – trehytter og mønstrede strikkegensere – han evner å forme et skyggeløst lys ved å bruke lokale midler og materialer. Han er en nennsom oversetter, som gjenforteller en nordisk historie på et fremmed språk. Når man har vært i Venezia en stund, venner øynene seg til et lys som alltid reflekteres og projiseres, fra de glitrende kanalene til det honninggylne lyset i mosaikkene i San Marco. Men for en kort stund, under Biennalen, kan den reisende finne og kjenne igjen et annet lys, som ikke finnes noe annet sted på øya.

Den nordiske paviljongen sett fra parken. Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Den nordiske paviljongen sett fra parken.

The Nordic pavilion seen from the park.

Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

4. visdom (phronesis)

Så spør Kearney om det finnes en egen sannhet i diktningen. Han svarer at det gjør det, og han definerer den som phronesis: «en form for praktisk visdom som er i stand til å respektere det enestående i en situasjon og spiren til noen universelle verdier som er målet for menneskelige handlinger».11 Selv om man alltid må legge sin mistro til side for å gi seg hen til en fortelling, så trenger vi å kunne se det som skjer i fortellingen i lys av erfaringer og ytre fakta i vår egen verden. Kort sagt, en historie må være troverdig. Dette reduserer ikke våre erfaringer til diktning og vår verden til en relativistisk posisjon; det er snarere slik at fortellingen har potensial til både å skape virkelige muligheter og mulige virkeligheter.12 «Sannheten» om Venezia, for eksempel, kommer naturligvis frem i ens egen opplevelse av byen, men den opplevelsen kan også påvirkes og bli rikere av fortellingene om byen, som Joseph Brodskys Vannmerke eller Italo Calvinos Usynlige byer. Begge fortellingene tar for seg helt bestemte øyeblikk i Venezia, men de kommenterer også våre felles opplevelser.

Hvis man utvider spørsmålet til «Finnes det en egen sannhet i arkitekturen?», dukker alltid Louis Kahns samtaler med teglen opp i arkitektens hode. Respekterer Fehn materialets sanne natur? Er det «ærlig» å legge opp et tak i betong som ligner på trebjelker? Taket har ikke falt ned, konstruksjonen viser seg å holde, så dette har åpenbart ikke vært Fehns eneste kriterium i utviklingen av formen. Hvis man ser på Kahns Exeter Library, så er de enorme betongdragerne som svever over det sentrale atriet selvfølgelig ikke bare konstruktive. Det kjølige blå lyset som kastes fra betongen ned i rommet under, står i kontrast til det varmere gule lyset som filtreres inn gjennom de enkelte leseplassene rundt bygningens yttervegger. Betongdragerne skal ikke bare spenne over en åpning og bære et tak. De forholder seg til en mengde ulike fenomener, blant annet lyskvaliteten og en følelse av monumentalitet. På samme måte brukes ikke de én meter høye og seks centimeter brede betongdragerne i Venezia-paviljongen, som med 52,3 centimeter mellomrom utgjør en to meter tykk solavskjerming, bare til å spenne opp et tak.13 De er også med på å gjenskape det «skyggeløse» nordiske lyset som Fehn beskriver. Dybden i takkonstruksjonen, sammen med de tilsynelatende papirtynne dragerne, hindrer sollyset i å nå ned til gulvet. Men konstruksjonssystemet er ikke homogent. Det stopper ved og rammer inn de eksisterende trærne. Drageren som bærer taket, deler seg like før den treffer et tre. På denne måten får rommet jevnt lys, og trærne kan fortsette å gro. Og Fehn har løst et bestemt problem, hvordan spenne et tak over et rom, men prosjektet rammer samtidig inn en felles horisont. Dette leder til vårt siste tema.

5. etikk (ethos)

Kearney minner oss på at «All historiefortelling innebærer at noen (en forteller) forteller noe (en historie) til noen (en lytter) om noe (en virkelig eller imaginær verden).»14 Vi kan spørre oss hvor meningen ligger i en slik historie: hos fortelleren, eller lytteren, eller i historiens form eller struktur, eller til og med i lytterens respons? Avhengig av ens filosofiske tilbøyeligheter kan man foretrekke det ene eller det andre. Kearney foreslår at en hermeneutisk tilnærming, som filosofer som Paul Ricoeur og Hans-Georg Gadamer har stilt seg bak, kanskje har potensial til å balansere alle fire muligheter (forteller, historie, lytter, referanser). Samspillet mellom disse fire momentene gir ikke bare en potensielt rik og velfundert lesning av verket, det gir også en bestemt oppfatning av selvet og dets utvidelse, identiteten.

Fra den nordiske paviljongen i Venezia. Arkitekt: Sverre Fehn.  Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Fra den nordiske paviljongen i Venezia. Arkitekt: Sverre Fehn. 

The Nordic pavilion, Venice. Sverre Fehn

Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Christian Norberg-Schulz, som skrev om norsk identitet ut fra en mer intim kunnskap enn jeg kan påberope meg, forklarte: «Idag er nordmennene blitt urbanisert, uten å ha virkelige urbane tradisjoner. Seg-selv-nok holdningen er imidlertid fremdeles der, med en tilhørende mistillit til dem som har de faglige kvalifikasjoner som en urban omverden krever. Resultatet er et alminnelig tap av kvalitetssansen og en manglende evne til å skape steder for vår tid.»15 Ved å stille spørsmålet om hva som er et ekte eller passende uttrykk «for vår tid», problematiserer Norberg-Schulz det meste av norsk byarkitektur bygget etter den annen verdenskrig. Han påpekte selv at introduksjonen av modernismen i norske arkitekters vokabular ga en patriotisk bismak til debattene om en «nasjonal» eller «klassisk» estetikk.16 Rollen det vernakulære eventuelt kunne ha å spille i denne diskusjonen, øker bare forvirringen.

De offentlige hagene i Venezia er et sted der spørsmålet om «tidsmessighet» og hva som er «ekte», er like fremtredende som i en norsk kontekst. Fehn har imidlertid vist at spørsmålet om arkitektonisk identitet ikke bare er et spørsmål om estetikk eller referanser, og at begrepene ikke må ses som motsetninger; man kan både være tidsmessig og ekte. Men meningen i et byggverk kan aldri reduseres til en konstruktiv, tektonisk, estetisk eller formell analyse. Bygningen skaper heller ikke bare en stemning eller en følelse, og den er ikke bare et uttrykk for arkitektens intensjoner. Hvert av disse aspektene er viktig, men bygningens identitet kan ikke kommuniseres ved bare å peke på ett av dem. Disse kriteriene gir sammen et bilde av bygningens egenart og mening. Arkitektur skapes alltid for andre. Den er i sitt vesen en sosial gjerning, på samme måte som fortellingen. Og like vesentlig er det å innse at forholdet til den «andre» er grunnleggende etisk og gir en følelse av identitet og egenverdi som er uunnværlig for det å ta ansvar. Jeg vil hevde at det er dette som avdekkes i den nordiske paviljongen i Venezia. Der er ikke den nordiske identiteten noe som påtvinges den besøkende, men noe som åpenbarer seg i samspillet med den «andre». Og hvis man ser arkitekturen på denne måten, kan ikke identitet forstås som en nostalgisk stil som kan imiteres; identitet oppleves når man gjenkjenner seg selv på tvers av tid og rom i samhandling med andre. Fehn visste at dette var å finne i historiefortellingen. I en samtale med Per Olaf Fjeld bemerket Fehn at «Du er en del av en annens skygge, og du er ikke lenger alene. Det er her historien blir fortalt.»17 Fehn vil bli husket som en viktig norsk arkitekt. Han burde også huskes som en sann historieforteller.

Norges paviljong til Verdensutstillingen i Brussel, 1956–58. Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Norges paviljong til Verdensutstillingen i Brussel, 1956–58.

The Norwegian pavilion at the World Exhibition in Brussels, 1956–58.

Foto: Nasjonalmuseet arkitektur

Postskript

Den nordiske paviljongen står rett overfor Venezuelas paviljong (Venezuela betyr, ordrett, «lille Venezia»), tegnet av Carlo Scarpa, den sæpreget venetianske arkitekten. Det skal flere ord til enn det er rom for her, til å beskrive likhetene mellom Fehn og Scarpa, men det er interessant å huske på at Scarpa en gang beskrev seg selv som en «mann fra Bysants som kom til Venezia via Hellas». For å fortsette på denne historien kunne man kanskje hevde at Sverre Fehn er en mann fra Marokko som kom til Oslo via Venezia.

Noter
  1. «Vladimir Nabokov – A Candid Conversation with the Artful, Erudite Author of Lolita» av Alvin Toffler (Playboy Magazine. Januar, 1964 vol. 1: 35-45).
  2. Se for eksempel sitatene i Architecture+Urbanism. (januar 1999) s. 17: «I see materials as letters we use to write poetic thoughts.» s. 17: «We work with letters, an alphabet, we write a story. The story and its structure are inseparable. The poetic idea needs the support of structure to exist. We should have a story to tell. The one that strikes me as being the most poetic is the idea that mankind has a life after death.» Og s. 19: «Detailing is the story of the meeting point between materials.»
  3. Det er i denne teksten viktig å skille mellom handling (plot) og handling (action). I oversettelsen har jeg derfor oversatt den engelske ordet plot med det norske «handling», og det engelske action med det norske «aktiv gjerning» eller «gjerning». Overs. anm.
  4. Architecture+Urbanism. (januar 1999) s. 17.
  5. Richard Kearney On Stories. (London: Routledge, 2002) s. 140.
  6. Sverre Fehn: Samlede arbeider. Red. Christian Norberg-Schulz og Gennaro Postiglione (Oslo: Orfeus Forlag, 1997) s. 242.
  7. Sverre Fehn: Samlede arbeider. Red. Christian Norberg-Schulz og Gennaro Postiglione (Oslo: Orfeus Forlag, 1997) s. 242.
  8. Jeg refererer her til den distinksjonen Paul Bowles trekker mellom en turist og en reisende i sin roman The Sheltering Sky. Jeg introduserer boken her primært for denne sammenligningen, men også fordi Bowles på samme måte som Fehn ble radikalt påvirket av sine reiser i Nord-Afrika. Bokens tittel refererer også til sitatet «Reach out, pierce the fine fabric of the sheltering sky, take repose», som virker særlig passende i forhold til de gjennomstukne takflatene i Fehns paviljong i Venezia.
  9. Sverre Fehn: Samlede arbeider. Red. Christian Norberg-Schulz og Gennaro Postiglione (Oslo: Orfeus Forlag, 1997) s. 248.
  10. Architecture+Urbanism. (januar 1999) s. 21.
  11. Richard Kearney, On Stories. (London: Routledge, 2002) s. 143.
  12. Denne formuleringen har jeg fra min lærer, Alberto Pérez-Gómez.
  13. Som nevnt følger dragerendene i oppriss mønsteret i triglyfene i fasaden på USAs paviljong. Selv om triglyfene og metopene i denne fasaden er typiske elementer i den klassiske orden, er de referanser til drager-endene i en trekonstruksjon som siden ble gjenskapt i stein, og «ektheten» i fasaden er derfor problematisk. Sammenlignet med denne er Fehns arkitektur i grunnen mer ekte i sitt forhold til materialene.
  14. Richard Kearney, On Stories. (London: Routledge, 2002) s. 150.
  15. Sverre Fehn: Samlede arbeider. Red. Christian Norberg-Schulz og Gennaro Postiglione (Oslo: Orfeus Forlag, 1997) s. 41.
  16. For en kort oppsummering, se Christian Norberg-Shultz, «The Poetic Vision of Sverre Fehn» in Sverre Fehn: Works, Projects, Writings, 1949-1996. Red. Christian Norberg-Schulz and Gennaro Postiglione (New York: Monacelli Press, 1997) s. 32–41.
  17. Sverre Fehn: Samlede arbeider. Red. Christian Norberg-Schulz og Gennaro Postiglione (Oslo: Orfeus Forlag, 1997) s. 243.
Fakta

Oversatt fra engelsk av Ingerid Helsing Almaas. Forfatteren takker Einar Bjarki Malmquist, Denise McGimsey og Andrew Lewthwaite for deres velfunderte kommentarer og forslag. For the full English text of this essay, see: www.arkitektur-n.no

English Summary
On stories: architecture and identity

By Marc J. Neveu 

As the question of «where one is from» becomes more and more complicated to answer, so too does the identity of architecture. So what might it mean to be a Norwegian architect or to make Norwegian architecture? In this article, Marc J. Neveu looks at the work of Sverre Fehn, more specifically the Nordic Pavilion at the Venice Biennale from 1962, from the angle of narrative story, and considers Fehn not so much as an architect as a great storyteller.

With reference to Richard Kearney’s essay On stories, Neveu structures his investigation under five summary headings drawn from various models of narrative theory: plot (mythos), re-creation (mimesis), release (catharsis), wisdom (phronesis), and ethics (ethos), topics that both apply to an understanding of Sverre Fehn’s work and, more specifically, to the issues of architecture and identity.

Following an exposition of each of these themes in relation to the Venice pavilion, Neveu concludes: «Fehn has demonstrated that the issue of architectural identity is not solely an aesthetic or referential issue, nor must these terms be seen in opposition; one can be concurrently contemporary and genuine. The meaning of a building, however, can never simply be reduced to a structural, tectonic, aesthetic, or formal analysis alone.» Architecture is an immanently social act, like storytelling, and depends on a recognition of the importance of «the other». Identity, then, must be understood as the recognition of oneself across time and place through inter-action with another. In a conversation with Per Olaf Fjeld, Fehn noted that «You are part of another’s shadow, and you are no longer alone. It is here that the story is told.» And it is here that the meaning of architecture may also be found.

For the full English text of this essay, see: www.arkitektur-n.no

Om fortellinger: Arkitektur og identitet
Marc J. Neveu
Marc J. Neveu er en amerikaner som studerte arkitektur i fransk Kanada, før han flyttet til Italia for å lese 1700-tallsfabler om…les mer
Om fortellinger: Arkitektur og identitet
Publisert på nett 23. januar 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 2008. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
Prosjekt

Hommage au Japon - ​Villa Schreiner

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1963

Hommage au Japon - ​Villa Schreiner

Enebolig på Kringsjå

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Villa Schreiner på Kringsjå tegnet av Sverre Fehn. Dette lille huset er bygget over en modul på 1 meter. En enkel stolpekonstruksjon i laminert tre går gjennom det hele, bortsett fra løsere tilknyttet garasje som har bærende vegger. Planen er utviklet omkring en kjerne med høysittende sidelys. 

Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
1
Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
2
Fakta

Etter fire års samråd med byggherren Per Schreiner, ble Villa Schreiner ferdigstilt i 1963. Villa Schreiner ligger på Kringsjå i Oslo og er den første enebolig som Fehn tegnet i Norge. Boligen med sine skyvedører i glass, store horisontale vindusflater og konstruksjonsstruktur med synlige bærepilarer fra bakkenivået til taket, ser ut til å være påvirket av den tysk-amerikanske arkitekten Mies van der Rohes kjente byggverk «The Farnsworth House» (1951, Illinois, USA).

Hommage au Japon - ​Villa Schreiner
Publisert på nett 14. mars 2019. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 8 – 1964. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Palazzo del Cinema
Prosjekt

Palazzo del Cinema

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1989

Palazzo del Cinema

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Sverre Fehns konkurranseutkast i den lukkede konkurransen om ett nytt kinopalass i Venezia i 1989. Følgende andre arkitekter deltok: Carl Aymonino, Mario Bota, James Stirling, Steven Hall, Fumikiki Maki, Rafael Moneo (som seiret i konkurransen), Jean Nouvel, Aldo Rossi og Oswald Ungers.

Palazzo del Cinema
Palazzo del Cinema
Palazzo del Cinema
1
Palazzo del Cinema
Palazzo del Cinema
2
Palazzo del Cinema
Palazzo del Cinema
3
Palazzo del Cinema
Palazzo del Cinema
4
Palazzo del Cinema
Publisert på nett 07. juli 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1992. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Prosjekt

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1968-88

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

"Kun ved å manifestere nuet får man fortiden i tale" skrev Sverre Fehn i sine notater fra 60-tallet.

Hedmarksmuseet, Storhamarlåven, er et av Fehns mest kjente arbeider og enestående i norsk moderne arkitektur.

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
1
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
2
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
3
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
4
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
5
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
6
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
7
Fakta

Hedmarksmuseet, Storhamarlåven, er et av Fehns mest kjente arbeider og enestående i norsk moderne arkitektur. Arbeidet med det nye museumsbygget fulgte Sverre Fehn gjennom lange perioder av hans karriere. Det ble påbegynt i 1967, etter at de arkeologiske undersøkelsene på stedet var avsluttet. Daværende museumsbestyrer Per Martin Tvengsberg hadde Sverre Fehns som lærer på Arkitekthøgskolen i Oslo, og Fehn fikk i direkte oppdrag å tegne et forprosjekt. Byggearbeidene ble påbegynt i 1969, låven sto ferdig i 1971 og sydfløyen med auditoriet i 1973. Utstillingene ble ferdigstilt under den nye museumsbestyrer Ragnar Pedersen og sto ferdig i 1980. 

Hedmarksmuseet på Domkirkeodden
Publisert på nett 07. juli 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1992. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Kunstgalleri på Verdens Ende
Prosjekt

Kunstgalleri på Verdens Ende

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1988

Kunstgalleri på Verdens Ende

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Når en betrakter kunst, går en gjerne fra vegg til vegg, fra rom til rom, fra hus til hus og fra museum til museum i en urban labyrint. Til galleriet på "Verdens Ende" bæres kulturens fortellinger ut i naturens intethet, og du blir stående ensom foran tegnene. Der blir intet sted å flykte.

Kunstgalleri på Verdens Ende
Kunstgalleri på Verdens Ende
Kunstgalleri på Verdens Ende
1
Kunstgalleri på Verdens Ende
Kunstgalleri på Verdens Ende
2
Kunstgalleri på Verdens Ende
Publisert på nett 07. juli 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1992. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Norsk Bremuseum
Prosjekt

Norsk Bremuseum

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1991

Norsk Bremuseum

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

"Når fergen siger sakte ut Fjærlandsfjorden, ser en seg tilbake, og på den frodige, irrgrønne sletten ligger Bremuseet igjen som en stor lyesgrå sten. Jeg har alltid undret meg over hvor de store mosegrodde kampesteiner kommer fra i det nordiske landskap" - Sverre Fehn, 1991. 

Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
1
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
2
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
3
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
4
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
5
Norsk Bremuseum
Norsk Bremuseum
6
Norsk Bremuseum
Publisert på nett 07. juli 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1992. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Prosjekt

Fritidssentrum på Mauritzberg slott

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1992

Fritidssentrum på Mauritzberg slott

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Prosjektet er resultat av en vunnet, lukket nordisk arkitektkonkurranse om et fritidssentrum på den gamle eiendommen Mauritzberg Slott, som ligger ved innløpet til Bråviken ved Norrkjöping. Prosjektet omfatter: Reguleringsplan for ca 300 frididsboliger i variert størrelseorden fra 40 kvm til 250 kvm, den marina for 200 båter, en golfklubb med konferansesrom, et hotell, et villagesenter med butikker, kunstgalleri, kafé og ridesenter.

Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
1
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
2
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
3
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
4
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
5
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
6
Fritidssentrum på Mauritzberg slott
Publisert på nett 07. juli 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1992. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Fra atriet, med overlys gjennom betongpyramidene. Danskehuset i midten. Foto: Ivan Brodey
Prosjekt

Gyldendalhuset, Oslo

Arkitekt Sverre Fehn AS, 2007

Gyldendalhuset, Oslo

Sverre Fehn omtales i internasjonal presse som den norske mesterarkitekten. Og Gyldendal Norsk Forlag AS inngår som en selvfølgelig del av Oslos kulturhistorie. Møtet mellom arkitekten og forlaget har gitt arkitekturfaget og almenn­heten et bygg som utfordrer kjente typologier.


 
Fra atriet, med overlys gjennom betongpyramidene. Danskehuset i midten. Foto: Ivan Brodey

Fra atriet, med overlys gjennom betongpyramidene. Danskehuset i midten.

From the atrium. «The Danish House» in the middle.

Foto: Ivan Brodey
 
Atrium og galleri. Foto: Ivan Brodey

Atrium og galleri.

Atrium and gallery.

Foto: Ivan Brodey
 
Fra atriet, mot hovedtrapp og servicetorg. Foto: Ivan Brodey

Fra atriet, mot hovedtrapp og servicetorg.

From the atrium, with main stair and service area.

Foto: Ivan Brodey
Fra Gyldendalhuset, sett fra hovedtrappen mot atriet. Foto: Ivan Brodey

Fra Gyldendalhuset, sett fra hovedtrappen mot atriet.

From the Gyldendal main office, atrium seen from the main stair.

Foto: Ivan Brodey
Utstilling og møteplass i foajeen.

Utstilling og møteplass i foajeen.

Book display and meeting places in the foyer.

 
Fra atriet i Gyldendalhuset. Foto: Jiri Havran

Fra atriet i Gyldendalhuset.

From the atrium in the Gyldendal house.

Foto: Jiri Havran
Fra atrium, mot kontorlandskapet.

Fra atrium, mot kontorlandskapet.

From the atrium, open plan offices.

 
Betongpyramidene på taket og hovedtrapp under bygging.

Betongpyramidene på taket og hovedtrapp under bygging.

Concrete skylights and main stair during construction.

Auditorium.

Auditorium.

Auditorium.

 
«Brageprisen», skisse fra auditoriet. Sverre Fehn.

«Brageprisen», skisse fra auditoriet. Sverre Fehn.

«The Brage Prize», sketch from the auditorium. Sverre Fehn.

Plan 1. etasje, gateplan. Sehesteds plass til venstre, Universitetsgata til høyre.

Plan 1. etasje, gateplan. Sehesteds plass til venstre, Universitetsgata til høyre.

Plan 1. etasje, gateplan. Sehesteds plass til venstre, Universitetsgata til høyre.

Situasjonsplan, takplan med overlyspyramidene. Hovedinngang fra Sehesteds plass i sør.

Situasjonsplan, takplan med overlyspyramidene. Hovedinngang fra Sehesteds plass i sør.

Location plan, roof plan with skylights. Main entrance from the south.

Kortsnitt.

Kortsnitt.

Short section.

Produksjonstegninger for betongpyramidene i taket. Her vises tegninger av to av tre varianter.

Produksjonstegninger for betongpyramidene i taket. Her vises tegninger av to av tre varianter.

Production drawings for the concrete skylights, two variations.

Arkitektens beskrivelse

Fram mot enden av det førre hundreåret ekspanderte aktiviteten i Gyldendal, og bygningsmassen fylte til slutt heile kvartalet mellom Universitetsgata og Sehesteds plass. Den innvendige strukturen var lite rasjonell, men kunne bygningane utviklast til å hyse ei framtidsretta forlagsverksemd?

På seinhausten i 1995 leverte Sverre Fehn eit skisseprosjekt basert på å nytte dei gamle bygningane. Det viste korleis ein kunne strukturere dei gamle bygningane rundt eit sentralt indre rom, men samstundes synleggjorde utgreiinga i denne fasen at det ville vere mykje å vinne på å bygge nytt.

Rundt tusenårsskiftet var Gyldendal ASA modne for å gå vidare med prosjektet. Hovudtrekka låg fast: Nybygging inne i kvartalet bak dei gamle fasadane. Eit stort gardsrom som omkransa Danskehuset. Inngang og sentralrom lagt i plan med Sehesteds plass, med gjennomgang til Universitetsgata.

Kulturbygget

Hovudinngangen er lagt til den opphavlege portromsopninga i Sehesteds gate 4. Den legendariske og myteomspunne «kopardøra» er flytta frå Universitetsgata, restaurert og sett inn i ei glasskive i portromsopninga.

Inngangsplanet er lagt i nivå med plassen utanfor, og eit gjennomgåande rom går frå Sehesteds plass ut mot Universitetsgata. Hovudplanet er forma som eit urbant rom, bore fram av ein klar struktur av runde søyler, med romsleg takhøgd og med skulpturale former som trer fram innover i det store rommet. Den bogeforma betongveggen femner om «teateret», eit nedsenka amfi med vel hundre sitjeplassar og eit omkransande galleri. Hovudmaterialane er lys betong, eik og mørke tekstilar. I himlingen ligg bogeforma eikefi­nerte plater.

Sentralt står hovudkommunikasjonsåra: trapp- og heiskonstruksjonen som ankrar fast kontoretasjane til inngangsplanet. Støttefunksjonar som resepsjon og driftsavdeling ligg i diskré beredskap like ved, med treverk av oljebehandla nordstatseik i resepsjonsdisk og posthyller.

Det innvendige urbane rommet har møterom, seminarrom og forfattarrom liggjande i randsona, og store glasfelt mot uteplassen. Området er raust dimensjonert og innbyr til formelle og uformelle møte. Her kan gyldendølane få avveksling frå arbeidsplassen sin, invitere gjester, kundar, forfattarar og andre inn til kulturelle arrangement, fagleg samkvem, festar, eller ein kan mingle, slappe av, ta «time out», i kontortida like vel som etter. Det store rommet er det berande i Gyldendalhuset. Rundt på alle sider ligg opne galleri frå kontorareala ut mot det store rommet.

Takkonstruksjonen er forma av 18 pyramidar med overlys i varierande storleik og skiftande retningar, i ein ribbekonstruksjon av lys betong. Geometrien er definert som ein skråskoren pyramide med eit sirkulært hol projisert loddrett ned gjennom skråflata. Dei ulike retningane hentar lyset ulikt inn i bygget etter skiftingane i døgnet og årstidene.

Romsekvensane i bygget legg opp til at ein skal kunne organisere einingar som er skreddarsydde for forlaga sine noverande krav, og at det skal vere mogleg å endre planløysingane i tråd med endringar i organisasjonen. Bygget er soleis utforma også med tanke for at det skal kunne nyttast ut over Gyldendal si levetid, med den arkitektoniske kvaliteten intakt.

Konstruksjonen

Hovudkonstruksjonen i Gyldendalhuset er av plasstøypt betong. Runde søyler av eksponert lys betong dannar ein gjennomgåande struktur gjennom heile bygget og ber dekkekonstruksjonen. Over søylerekkjene ligg betongdragarar. Inntil desse dragarane ligg tekniske installasjonar og spreier seg ut mot sidene.

Dekkekonstruksjonen er av lys eksponert betong med overliggjande oppfôra golv. Betongdekka skrår opp mot dei gamle fasadane, glasbyggesteinsveggen, og ut mot atriet og lysgardane. På den måten strekkjer dekka seg ut mot lyset, og den lyse betongflata speglar dagslyset innover i lokalet. Ved å løfte dekka ut mot fasadane får ein tak i vindauga i varierande høgder mot Sehesteds plass og Universitetsgata. Slik kan nybygget ha gjennomgåande etasjeplan, sjølv om vindauga sit ulikt i dei gamle bygningane.

Inge Hareide, Arkitekt Sverre Fehn AS

English Summary

Gyldendal Publishers, Headquarters, Oslo
Architect: Sverre Fehn

Gyldendal publishers grew out of their old premises in the centre of Oslo, but wished to remain in the same location. Initial feasibility studies confirmed that there was much to be gained from demolishing the existing buildings and make way for a new structure on the site, behind the old facades. Sverre Fehn’s proposal is organised around a large central space, penetrating all floors – a new covered urban scale room containing the so-called «Danish House», the façade an existing replica of one of the 18th century homesteads of the mother company in Copenhagen. Offices and meeting rooms rise along the circulation galleries on all sides of this space, towards a roof consisting of 18 concrete pyramids, which modulate the natural light. The new inserted post-and-beam structure is in in-situ cast concrete, with raised service floors. Bevelled slab edges reach the differing window heights and spread the incoming light from the street facades. The main materials in the interior are light concrete, oak and dark textiles.

Gyldendalhuset, Oslo
Publisert på nett 03. november 2016. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 4 – 2008. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Villa Busk
Prosjekt

Villa Busk

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1990

Villa Busk

Rapunzel i Telemark

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Eneboligen i Bamle står godt forankret i Sverre Fehns etablerte formverden. Likevel representerer den noe nytt.

Villa Busk
Villa Busk
Villa Busk
1
Villa Busk
Villa Busk
2
Fakta

Les Ulf Grønvolds omtale i "Mur og pinneverk".

Villa Busk
Publisert på nett 04. august 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 1-2 – 1991. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Mur og pinneverk
Artikkel

Mur og pinneverk

Av Ulf Grønvold

Mur og pinneverk

Fehn har alltid lagt vekt på a artikulere det konstruktive. Som få andre evner han å plassere et hus slik at det tar tomten i besittelse.

Mur og pinneverk
Mur og pinneverk
Mur og pinneverk
1
Fakta

Les arkitektens beskrivelse av Villa Busk i "Rapunzel i Telemark"

Mur og pinneverk
Publisert på nett 04. august 2017. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 1-2 – 1991. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Enebolig på Ski, Villa Underland
Prosjekt

Enebolig på Ski, Villa Underland

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1962

Enebolig på Ski, Villa Underland

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS

Byggherren: . . . . jeg liker ikke å spise på kjøkkenet, og så vil min kone og jeg ha muligheter til å ha hvert vårt soverom. Vi blir snart gamle, så et rom for en eventuell hjelp må De passe på. Så er det mine malerier og bøker . . . jeg sier ikke noe mer før jeg får nøkkel til døren, og er det da noe galt skal De få høre det . . . . 

Huset er tegnet for Helge Underland.

Enebolig på Ski, Villa Underland
Enebolig på Ski, Villa Underland
Enebolig på Ski, Villa Underland
1
Enebolig på Ski, Villa Underland
Enebolig på Ski, Villa Underland
2
Enebolig på Ski, Villa Underland
Enebolig på Ski, Villa Underland
3
Enebolig på Ski, Villa Underland
Enebolig på Ski, Villa Underland
4
Enebolig på Ski, Villa Underland
Publisert på nett 11. juli 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 6 – 1962. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Norsk museum for fotografi
Prosjekt

Norsk museum for fotografi

Arkitekt Sverre Fehn AS, 2001

Norsk museum for fotografi

Norsk museum for fotografi

– Preus fotomuseum

Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
 
Norsk museum for fotografi
Norsk museum for fotografi
Arkitektens beskrivelse

Karljohansvern er et område som tidligere tilhørte sjøforsvaret, med dokker, depoter og andre militære forlegninger. Som et resultat av omstrukturering i forsvaret er store deler av området omregulert til friareal, og deler av bygningsmassen tilpasset museale formål.

Fotomuseet er lagt til øverste etasje i en av de store depotbygningene i tegl fra 1861, med et brutto areal på ca. 2 400 kvm, fordelt på 158 x 15 meter. For å beskytte anlegget mot artilleri og brann ble denne etasjen konstruert av massive hvelv i tegl på 4 x 5 meter, med et ovenforliggende dekke av jord og stein. Senere er det blitt bygget et valmet tak i tre, som rommer et ordinært loft, over den opprinnelige konstruksjonen. Depotets øvrige etasjer disponeres av marinemuseet.

Preus museum - innvendig bygget etter samme tanke som Marokkanske basarer! — Arkitekt Professor Sverre Fehn

Bygningens geometri og sterke struktur danner rammen for en enkel planløsning, hvor hvelvkonstruksjoner og teglstruktur er opprettholdt. Anlegget får en nærmest urban karakter med en sentral promenade med tilstøtende gallerier på hver side.

Museet rommer en fast kamerautstilling, galleri for skiftende fotoutstillinger, kafé, bibliotek og administrasjon. Kjølelager for museets samlinger, tekniske rom, samt føringer for VVS og elektro er lagt til loftet. Kanaler er boret ned gjennom samtlige hvelv, og gir et skjult teknisk anlegg.

Gulvet av massiv eik er foret opp for å gi rom for vannbåren varme og elektriske føringer. Det er lagt med avstand fra den eksisterende teglveggen, med en stålprofil som gulvets avslutning. Profilet fungerer som forankringspunkt for montre og annet inventar, og inneholder koblingspunkter for elektrisk utstyr. Under hvelvene i taket er det montert en stålskinne for sprinklingsanlegg og lyskastere. Vi har forsøkt å fristille de tekniske installasjonene visuelt fra byggets konstruksjon.

Prosjektet er gitt et kraftfullt og enkelt uttrykk, som en kontrast til fotoapparatets fine mekanikk. Hovedmaterialer er stål, glass og eik, i samspill med den eksisterende grove teglstrukturen. I galleriet for skiftende utstillinger har rommene fristilte pilarer. Dette skaper en større åpenhet og fleksibilitet enn i det øvrige anlegget. Her er veggene hvitkalket for å danne en mer nøytral bakgrunn for fotografiene.

English Summary
National Museum for Photography

Architect: Professor architect Sverre Fehn MNAL

The strong geometry and structure of the building frames a simple plan layout, where existing brick structures and vaults have been retained. The museum has an almost urban character, with a central promenade and adjoining galleries on both sides.

All services are contained within the loft above, and fed through holes drilled in the old vaults. All new services have been visually separated form the existing structure. The solid oak floor is raised to make room for waterborne heating and electrical cabling, and finishes against a steel edge profile away from the outer wall. This profile also serves as an anchor for exhibition cases and other interior elements.

The project has a powerful and simple expression with steel, glass and oak, bare and whitewashed brick contrasting the fine mechanics of the camera.

Norsk museum for fotografi
Publisert på nett 27. august 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 2003. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Foto: Guy Fehn
Artikkel

Et viktig uttrykk

Av Sissil Morseth Gromholt

Et viktig uttrykk

«Var du på toalettene, da?» Min eldste arkitektvenninne, det vil si min mor, ville gjerne forsikre seg om at jeg hadde fått med meg alle detaljene ved det nye fotomuseet i Horten. Vi ble begge enige om at ja, selvfølgelig var toalettene vakkert gjennomført, og slikt faglig håndverk er sjelden å se i nye prosjekter.

For 40 år siden var min venninne med i det første kullet som hadde Sverre Fehn som lærer. Fehns ubestridte innflytelse på norsk arkitektur er ikke minst en følge av at han har undervist flere generasjoner arkitekter ved Arkitekthøgskolen i Oslo. Vi som er for ferske til å ha opplevd ham som lærer, har likevel ant en Fehnsk ånd hvile taust i korridorene. Det var ikke så lett å vite akkurat hva som var arven etter denne faren som altså hadde valgt å forlate oss, men vi trodde det hadde noe med forholdet til landskapet å gjøre, kanskje også med strippede materialer brukt på en såkalt ærlig måte. Fenhs arkitektur var visstnok også ‘poetisk’, men hva det skulle bety, var det enda verre å få taket på. Det handlet kanskje om opplevelse av rom og lys, eller det kunne finnes i den enkle, men gjennomtegnede detaljen. Det poetiske måtte i alle fall ha noe å gjøre med å frigjøre seg fra konvensjoner og ytre begrensninger, tenkte jeg da.

Magasin A på Karljohansværn er en 1880-talls lagerbygning med teglhvelv i alle de tre etasjene. Tre hvelvspenn, hver på fem meter, er repetert gjennom hele den 157 meter lange bygningen. Fotomuseet ligger i øverste etasje, men selv her må hvelvveggene være over en halvmeter tykke. Kanskje var hvelvene dimensjonert for å bære kanoner, som kunne heises opp med taljer, og så rulles gjennom den brede midtgangen og inn i sidehvelvene. Huset har så mye masse, så mye struktur og så mye elde at det fremstår like mye som et uthulet fjell eller en forlatt ruin som det ligner et hus.

En ombygging av et slikt bygg kaller ikke på de store arkitektoniske grepene. Hovedstruktur og konstruksjon er forutbestemt, og streng overvåking fra antikvarene er forutsigbart. Prosjektet er derfor en interiøroppgave. De tomme teglhvelvene er tilført et par nye materialer, det er satt inn hyller for biblioteket og montre for utstillingen, og det er lagt til rette for den moderne teknikken. Mer er det ikke. Men det hele fremstår så enkelt, liketil og vakkert at det må ligge mye arbeid og innlevelse bak.

De rå teglhvelvene kler Fehns arkitektur godt. De er preget av å være fra en annen tid, men har samtidig slektskap med Fehns arkitektur. Materialet tegl er brukt på en direkte måte; det står ubehandlet, og konstruksjonen – hvelvene – er en følge av materialets egen konstruksjonslogikk. Konstruksjon, materiale og romdannende elementer er således samme sak. 

De tilførte materialene er brukt på samme direkte måte. De solide eikebordene som utgjør det meste av gulvet, er kun oljet. Samme materiale er brukt i bibliotekshyller, resepsjon, benker, bord, dører og utstillingsvegger. Oljebrent stål er brukt ubehandlet både som bukkede plater, som braketter mellom glass og hvelv og som lister i gulv og tak. Alle møter mellom materialene er synlige og løst på en enkel måte. Det er få materialer tilført; i bibliotek og museum bare stål, eik og glass i den faste innredningen. Sittemøblene er eikebenker med lærputer i museet og Wegnerstoler i ask i biblioteket. I den temporære utstillingen er hvelvene kalket, og danner en mer nøytral bakgrunn for utstilling av kunstfotografi. 

Møtet mellom eikegulvene og de gamle konstruksjonene er løst med en profil i oljebrent stål som danner en forsenkning og avstand mellom gulv og vegger. Slik er det laget et tydelig skille mellom det opprinnelige og det som er tilført. Utover dette er det spilt lite på kontrasten mellom det nye og det gamle. I Fehns prosjekt for Storhamarloven skiller betongbrua seg sterkt ut både i materialitet og som addert form. Dette prosjektet fremstår mer som en stillferdig innredning av den opprinnelige teglstrukturen.

I arealenes midtre del, hvor nyinstallert heis og gammel trapp kommer opp, er det lagt lys grå kalkstein på gulvene, og hvelvene er kledd med enkle hvite fliser. Her ligger også toalettene, med eikedører og innfelte dispensere, vakre armaturer og sanitærporselen, og ikke et eneste produktnavn er å se. Der hvelvene møtes, er flisene trappet av, og de pussede kantene står presise igjen.

Utstilling av kameraer og bilder fra museets rikholdige magasin forsøker å fortelle fotografiets historie, og gjør det i utsøkte montre i limt glass og bukket stål. Eldre fotografier som viser historiske teknikker, henger på utstillingsveggene i eik.

Foto: Guy Fehn
Foto: Guy Fehn

Diskusjonen om utstillingsarkitektur dreier seg gjerne om hvor nøytral arkitekturen bør være – for ikke å forstyrre tilskueren som skal konsentrere seg om kunstverkene. Utstillingen av fotomuseets samlinger skjer i en arkitektur som er aktivt til stede, både de renskede teglhvelvene og montrene fascinerer i materialitet og form. Men fokus på de utstilte objektene svekkes ikke av den grunn, det er snarere en motsatt virkning som oppstår. De polerte kameraene står og blinker i de smykkeskrinsdetaljerte montrene, de leses mer som kunstobjekter enn bruksgjenstander med en historie. Dette forsterkes av at det er gjort liten plass til informasjon i det renskårne interiøret, hverken om bildene eller kameraene. Det er ikke vanskelig å sette pris på skjønnheten i de gamle kameraene og bildene, men det er synd at man går glipp av fortellingen om fotografiet, som sikkert vil engasjere de fleste. Unntaket er det lille og avlukkede barnerommet, som har både et camera obscura i full størrelse og mulighet for å spille skyggeteater med sjabloner. Det perfeksjonerte håndverket er gjennomført, fra monterinnfestninger til ytterdør.

For mange arkitekter er det denne graden av perfeksjonering og gjennomdetaljering som er det egentlige idealet. Det er de knappe og logiske detaljene, de naturlig vakre materialene og det rene uttrykket vi streber etter, og som blir fremholdt som målestokken på den gode arkitekturen – i mye av utdannelsen og i magasiner som Byggekunst. Men er slik arkitektur samtidig det umuliges kunst? Det er lett å resignere i møtet med ventilasjonskrav, brannkrav, kostnadskrav, lydkrav, drift- og vedlikeholdskrav, luxkrav og sertifiseringskrav. Det kreves en uendelighet av energi, overtalelsesevne og ikke minst prosjekteringstimer for å nærme seg et slikt ideal. 

Interiører folk flest ferdes i, kontorer, butikker og offentlige innerom, består ofte av standardisert, billig, godkjent og gudsjammerlig kjedelig søppel: systemhimlinger, striekledde gipsvegger, elkanaler i plast, kontorskillevegger med plastpropper, flat neonbelysning, pressede romhøyder og marmorerte vinylgulv. 

Det er noe sørgelig over slike miljøer, i verste fall kan de leses som tegn på likegyldighet blant alle aktørene som er med på å skape våre daglige oppholdsrom. Det er vanskelig å si i hvilken grad arkitekter og interiørarkitekter står bak disse rommene, men det er ganske sikkert at de mange kravene vi konfronteres med, har en sammenheng med de skrøpelige interiørene. 

Men finnes det måter å jobbe med alle kravene slik at de ikke jobber mot oss? Mange av kravene er selvfølgelige innordninger det moderne samfunnet har brakt med seg, og vil være umulig å endre på strukturelt. Et eksempel som setter problemstillingen på spissen er Pompidousenteret til Piano og Rogers, her er særlig de tekniske kravene utnyttet som et potensiale, og ikke et problem. Et mindre åpenbart, men godt eksempel er faktisk Fehns fotomuseum. Her handler den rene og «ærlige» arkitekturen like mye om det vi ikke ser, teknikken er løst på en lur måte, spesifikt for mulighetene i dette prosjektet. 

Felt inn i teglhvelvene kan man se noen enkle, runde stålrister. Ventilasjonen er løst ved at loftet over tredje etasje et tatt i bruk til generatorer og kanaler, og man har boret med kjernebor gjennom hvelvene for å komme til med luft og avtrekk. Oppunder hvelvene henger også en stållist som både er feste for lampene og skjuler kabler og sprinkler. Resten av de nødvendige føringene er lagt under det hevede eikegulvet. 

En tolkning av filosofen Heidegger går ut på at vårt verdensbilde oppstår i og gjennom vår kulturelle virksomhet. Også tilvirking av våre fysiske omgivelser er en del av en konstant prosess som gjenskaper vår opplevelse av verden og det å leve, til enhver tid. I denne virksomheten har vi et ansvar i å skape en verden vi føler oss hjemme i.  

Det er lett å føle seg hjemme i Fehns arkitektur. Materialene er nær sin naturlige form, man skjønner hva alle delene er oppbygget av, og hvordan de henger sammen. Konstruksjoner er logiske og synlige og kan relateres direkte til opplevelsen av å balansere sin egen kropp. Overflatene er varierte og robuste, og stimulerer sansene. Jeg tror arkitektur som denne er et viktig uttrykk, og har sin relevans i dag. Den er ikke umulig, den tar bare litt lengre tid. Og den krever byggherrer med vilje og penger.

Samtidig leses den kanskje i seg selv som en type endelighet og essens, som gjør krav på å være det arkitektur egentlig handler om. Med dette som ideal kan man i møte med de mer dagligdagse byggeoppgavene lett lammes av resignasjon.

På veggen i kafeen, helt innerst i museet, henger det en serie portretter av Oslo-bandet Euroboys. Herrene poserer avmålt og alvorlig, utkledd som damer. Ikke i vanlige dragkostymer, men som damer i androgyne drakter med sorte slips. På sett og vis er det noe oppmuntrende ved disse bildene – dette er også et gyldig uttrykk, som med humor og alvor griper emfatisk etter mulighetene i en flertydig samtid. De skaper en fin kontrast til den vakre, solide og entydige arkitekturen.

Foto: Astrid Roberg/ Norsk museum for fotografi – Preus fotomuseum
Foto: Astrid Roberg/ Norsk museum for fotografi – Preus fotomuseum
Fakta

Les arkitektens beskrivelse her: Norsk museum for fotografi

English Summary
National Museum for Photography

Commentary by Sissil Morseth Gromholt

The influence Sverre Fehn has had on several generations of Norwegian architects is not least due to the fact that he has taught for a long time at the Oslo School of Architecture. His legacy can still be felt in an unspoken emphasis on the relationship to the landscape, the so-called «honest» use of stripped materials and simple details, perhaps a «poetic» use of space and light. One assumes this poetic aspect in particular must have something to do with freeing oneself of convention and external limitations.

The old storehouse at Karljohansværn has so much mass, so much structure and is so loaded by age that a refurbishment would seem unlikely to result in significant architectonic novelty. The main structure and the construction are predetermined, and closely guarded by the conservation authorities. The task becomes mainly one of interior design: some new materials, new shelves and display cases, the insertion of new services. However, this has been done with great beauty and simplicity. The old brick vaults represent another age, but at the same time they are related the Fehn’s architecture: material exposed, the structure – the vaults defining the 

space – a consequence of the constructional logic inherent to the material itself. The added materials are used in much the same way. The solid oak floorboards are oiled, and the oilquenched steel left exposed. All material junctions are direct and visible, with a clear division between what is original and what is added.

The exhibition of cameras and images attempts to tell the history of photography, from within the exquisite cases of buttjointed glass and bent steel. Any discussion of exhibition architecture is usually a question of how neutral the architecture needs to be to avoid distracting the viewer. Here, the architecture is active, but without deflecting the focus from the objects on display – rather, the cameras in their glittering cases appear more like pieces of art than like functional objects. This impression is enhanced by the unfortunate lack of written descriptions, which could have given the visitors a better insight into the history of photography.

For many architects, the real object is the perfection of craftsmanship and minimal, logical detailing. This ideal is transported through much of architectural education as well as publications such as Byggekunst. But is not such an architecture the art of the impossible? Today’s external demands on design are so extensive that it takes an eternity of energy and persuasive ability to achieve such an ideal. Most interiors consist of standardised, 

cheap trash: ceiling systems, plasterboard walls, plastic coverings, strip lighting – a result of the many demands the designers have been faced with. But there are other ways. Projects such as the Centre Pompidou in Paris show services exposed and used as a design opportunity rather than a problem. Fehn’s photo museum is another example, but here the architecture is about what we do not see. Ventilation has been solved by locating ducts and plant in the loft above, and drilling through the vaults, leaving only a small, round steel terminal. The rest of the conduit is laid under the raised oak floor.

According to one reading of the Philosopher Martin Heidegger, our image of the world appears in and through our cultural activities. Our physical surroundings, too, are part of our responsibility to create a world where we can feel at home. It is easy to feel at home in Sverre Fehn’s architecture. The materials are close to their natural state, the structure is logical and visible and related to a sense of physical balance. Surfaces are varied and robust. Such an architecture, which claims to approach a final state, an essence, is still relevant today. It is not impossible to achieve, it just takes a bit more effort to realise.

Et viktig uttrykk
Sissil Morseth Gromholt
Sissil Morseth Gromholt er Sivilarkitekt MNAL med diplom fra AHO og jobber i PUSHAK AS. PUSHAK AS ble etablert i 2008 og eies og drives av…les mer
Et viktig uttrykk
Publisert på nett 27. august 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 2003. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Økern aldershjem
Prosjekt

Økern aldershjem

Arkitekt Sverre Fehn AS, Geir Grung, 1955

Økern aldershjem

Arkitekt: Arkitekt Sverre Fehn AS, Geir Grung

Økern aldershjem er et alders- og sykehjem på Økern i Oslo, tegnet i 1955 av arkitektene Sverre Fehn og Geir Grung. For sin tegning av bygningen fikk arkitektene i 1961 Houens fonds diplom.

Økern aldershjem
Økern aldershjem
Økern aldershjem
1
Økern aldershjem
Økern aldershjem
2
Økern aldershjem
Økern aldershjem
3
Økern aldershjem
Økern aldershjem
4
Økern aldershjem
Økern aldershjem
5
Økern aldershjem
Økern aldershjem
6
Økern aldershjem
Publisert på nett 11. september 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 4 – 1956. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Prosjekt

Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1993

Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS

Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge

Ved konkurransen omkring helleristningene i Borge i Østfold kom man helleristningene nær inn på livet. I de tegninger som er risset inn i granittens hårde flater, er figurer uten horisont, svevende omkring i sitt eget frie rom, båten, mennesket, dyret, kjønnsorganer, våpen, redskap, kloder. Fornemmelsen av det fjerne og det nære er opphevet ved tegnenes dimensjonsløshet. Tatoverte bronsealderen jorden for at denne skulle bli et bilde, en eksistensiell gjenstand? Hadde bronsealdermennesket en sansning av jorden som en reisende planet i universet?


 
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
 
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
 
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS
 
Acropolis di Coma, Napoli

Acropolis di Coma, Napoli

Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
 
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
 
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
 
Bronsealderens båtstevn

Bronsealderens båtstevn

Bronsealderens båtstevn

Bronsealderens båtstevn

Arkitektens beskrivelse

Bygningens konstruksjon blir som et snitt i jordens hinne. Åpner man den, som permen på en bok, vil fortiden synliggjøres. Denne form gir oss to temaer:

a) oppstigningen og broen som fører direkte til helleristningsfeltet;

b) «nedstigningen» til museet, biblioteket og kunstsamlingen, hvor rommene for fordypning og forskning får sine arealer. 

Bygningen får karakter av et utvidet landskap. Promenaden passerer gjennom og over konstruksjonen, og den slake gangvei fra parkeringsplass til platået tegner seg som en sti i et hellende terreng.

For det karakteristiske østfoldlandskapet med de flate, fruktbare marker og de skulpturelt formede fjellrygger må man finne frem til en arkitektur som gir en «landskapsnøkkel» for å sammenbinde disse karaktertrekk, både topografisk og litterært. Denne mekanisme skal være med på å skape innfallsporten til de historiske data.

Kulturhuset vil demonstrere den store utvikling fra tegnene (bokstavene) ble risset ned i den harde granitt – de første lesbare fortellinger; den første stasjonære samling av minner – til dagens immaterielle bokverden med disketter og skjermer. Med dette for øye har vi valgt en likeverdig konstruksjon for hele anlegget. Et landskapsinteriør hvor fasaden ærer fjellryggen. Enten du leser i boken eller studerer museets beretninger vil du alltid skimte den røde granitt.

De store, skråttstillede søylevegger vil danne bakgrunn for fremstillingen av historien. Man får assosiasjoner til store, hule trestammer, og i denne «vegetasjon» finner man boken og stillheten.

Fakta

Åpen konkurranse 1993

English Summary
Bronze age rock-carving site and cultural center at Begby in Borge - Open competition 1993

Sverre Fehn, Collaborator: Henrik Hille. Consult. structural engineer: Terje Orlien AS

In connection with the competition based on the ancient site at Borge, we developed a close relationship with the rock carvings. The drawings carved into the hard surface of the granite depict figures with no horizon, drifting in their own infinite space; the boat, the man, the animal, the sexual organs, weapons, tools, planets. The sense of far and near is eliminated by the lack of dimension in the drawings. Did the Bronze Age tattoo the Earth so that it would become a picture, an existential object? Did Bronze Age man have a sense of the Earth as a planet travelling in the universe?

The structure of the building is like an incision in the Earth’s surface. If you open it, like the cover of a book, the past will be revealed. This concept results in two themes:

a) the ascent and the bridge which leads directly to the site of the rock-carvings;

b) the «descent» to the museum, library and art collection, where the spaces for study and research find their place.

The building becomes an extension of the landscape. The promenade passes through and above the structure, and the walkway that gradually rises from the car park to the plateau is like a path in sloping terrain.

For the typical landscape of Østfold county, with its flat, fertile fields and sculpturally formed hills, one has to discover an architecture that will act as a «landscape key» to combine these characteristics, both topographically and literally. This mechanism must provide a gateway to the historical data.

The cultural centre will illustrate the enormous development that has taken place from the time when the drawings (letters) were carved into the hard granite 

– the first legible narratives, the first stationary collection of memories – to today’s immaterial world of books, diskettes and computer screens. With this in mind, we have chosen to give the whole building an egalitarian design, a landscape interior and a facade that pays homage to the hillside. Whether you read the book or study the exhibits in the museum, the red granite is always present.

The tall, V-shaped pillars provide niches for the historical exhibition. They are reminiscent of large, hollow tree trunks, and amidst this «vegetation» you find the book and the peaceful calm.

Helleristningssenter/kulturhus Begby i Borge
Publisert på nett 13. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Prosjekt

Informasjonssenter Borre nasjonalpark

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1993

Informasjonssenter Borre nasjonalpark

Informasjonssenter Borre nasjonalpark

Borre eier det store naturrommet med den høye himmel og de myke landskapslinjer. De slake jorder forsterkes av regelmessige, sorte plogfurer, som gir terrenget en presis tegning mot fjordens blanke horisont.

Dette følsomme landskap var bakgrunnen for de store utferder i vikingtiden, og jordsmonnet var tilholdsstedet for menneskenes dødskultur.


 
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
 
© Munch-museet/Munch-Ellingsen gruppen/Bono 1997. Foto: J. Lathion, Nasjonalgalleriet

© Munch-museet/Munch-Ellingsen gruppen/Bono 1997. Foto: J. Lathion, Nasjonalgalleriet

 
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS
 
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
 
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
 
Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Osebergskipet under utgraving. 1904. Foto: Mittet 

Osebergskipet under utgraving. 1904. Foto: Mittet 

Foto: Guy Fehn
Foto: Guy Fehn
Arkitektens beskrivelse

Drømmen om havets erobringer fødtes ved Venezias kanaler.

Langs det rolige kystlandskap ved Borre reiste båtkonstruksjonene sine 

skjeletter mot himmelen for å svare på lengselen mot horisonten.

Refleksjoner over den enorme kulturkolli-sjon som oppstod i vikingenes møte med den europeiske middelalder og religiøse tenkning. De reiste ut fylt med et pluralistisk gudsbillede – én gud for krig, én for poesi, én for drikk, én for kjærlighet – og med havet som det reelle tegn på uendeligheten. Skipet gav dem samtalen med stjernene, og himmelen ble det kart de styrte efter.

Og når reisten var slutt, ble skipet trukket på land og ble med inn i dødsriket, og fikk sin religiøse dimensjon hvilende i gravhauger ved strandkanten, konservert av jordmasser som balsamerte egyptiske mumier.

Inn i denne verden trengte den kristne tro, den vertikale tanke. Skipets fine konstruk-sjon ble synliggjort i stavkirkene, og reisen inn i uendeligheten fikk sin abstrakte ut-løsning mellom søylene i stavkirkens halvmørke. Og ved alteret hang en fastspikret gudesønn på et kors, og menigheten forkynte: «... han fór ned til dødsriket, stod opp fra de døde tredje dag, fór opp til himmelen, sitter hos Gud Fader den allmektiges høyre hånd, skal derfra komme igjen for å dømme levende og døde ...».

Arkitekturen skal antyde i sin oppbygging en reise inn i historien. Ved å søke sine romdannelser delvis under og over jorden gjenspeiler prosjektet noe av de dødes verden i gravhaugenes indre.

Jordoverflaten blir brukket opp, og byggets takflater snitter som plogjern gjennom overflaten, mens lyset finner sine veier gjennom spaltens skjæringer. I dette bruddet bygges rampen – rampen som gir deg den langsomme bevegelse inn i fortiden. Gangbroen gir overraskende standpunkter i museets romsekvenser, svevende mellom tak og gulv, og går fra et mørkt romvolum ned til det lyse området – til fortellingens begynnelse.

Disse refleksjoner gir deg en arkitektur med lange, slake linjer som vil være med og forsterke gravhaugens temperamentsfulle kurvatur.

Fakta

Lukket konkurranse 1993

English Summary
Information centre Borre National Park - Invited competition 1993

Architect: Sverre Fehn. Collaborator: Henrik Hille. Consult. structural engineer: Terje Orlien AS

Borre is a place of great natural space, limitless sky and soft, rolling landscape. The undulating fields are intensified by regular black furrows which outline the terrain against the blank horizon of the fjord.

This sensitive landscape was the point of departure for the great expeditions of the Viking Age, and this soil was the sanctuary for man’s death rituals.

The dream of conquering the sea was born beside the canals of Venice.

Along the peaceful coastline near Borre, the skeletons of new ships rose toward the heavens in response to man’s longing to reach the horizon.

Reflections on the enormous cultural clash that occurred in the Vikings’ encounter with medieval European religious thought. They embarked filled with a pluralistic image of god – one god for war, one for poetry, one for drink, one for love – and the ocean was the genuine symbol of eternity. In the ship, they conversed with the stars and the sky became the chart by which they steered.

And when the journey ended, the ship was dragged ashore and accompanied them to the kingdom of death, attaining its religious dimension in a burial mound by the sea, conserved by the soil like an embalmed Egyptian mummy. 

Into this world came Christian religion, vertical thinking. The ship’s fine structure was manifested in the stave church, and the journey into eternity found its abstract resolution between the pillars in its gloomy interior. And above the altar hung a son of god nailed to a cross, and the congregation confessed, «... he descended into hell; the third day he rose again from the dead, he ascended into heaven and sitteth on the right hand of God the Father Almighty; from thence he shall come to judge the quick and the dead ...».

The architecture is intended to symbolise a journey into history. By seeking its spatial forms partly below and partly above the ground, the project reflects something of the world of the dead, deep inside the burial mounds.

The surface of the earth is broken and the roofs of the building cut like plough-shares through the ground, while light filters through a cleft in the structure. In this cleft, the ramp is built – the ramp along which you move slowly into the past. The walkway gives surprising views of the museum’s sequence of rooms as it hovers between roof and floor, leading down from darkness into the light area – to the beginning of the story.

These reflections give rise to an architecture with long, slanting lines which intensify the emotional curvature of the burial mound.

Informasjonssenter Borre nasjonalpark
Publisert på nett 13. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
Prosjekt

Norsk Vassdragsmuseum, Suldal

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1994

Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS

Norsk Vassdragsmuseum, Suldal

De skrå veggflater mot fjellsiden får sin rytmiske form av naturens tegninger. Som kontrast finner en den motstående vegg, muren som symboliserer demningens presise rette linje. Mellom disse to ytterpunkter utspiller utstillingene seg.


 
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
 
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
 
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Foto: Teigens Fotoatelier AS
Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
 
Arkitektens beskrivelse

Norsk Vassdragsmuseum skal i sin form speile eventyret om vassdragenes utbygging i vårt land. De elementære elementer man har å spille på, er

1) demninger, oppsamling av vann, den stille vannflate;

2) fallet, fossen med sin potensielle energi;

3) den kultur som fødtes omkring våre vassdrag.

Hvordan behandles disse elementer i møtet mellom teknologi og natur? Hvilke operasjoner må foretaes for å vinne mest mulig energi fra fossen til kabelen?

Landskapet har de egenskaper som skal til for å gi arkitekturen den impuls som er nødvendig for å beskrive museets innhold. Museet er plassert tett inntil berghammeren. Dette gir muligheter for en konstruksjon som stryker langsmed fjellets bratte formasjoner og får sin forankring direkte i grunnfjellet.

I lyset som faller ned langs bergsiden, finner en motiver for vannfallet, elven, turbinene. I golvflaten tenker en «brønner» for oversiktsmodeller – noen fylt med vann fra små «elver» formet som spalter i golvet. Disse er kombinert med realistiske detaljer fra kraftutbyggingens teknologi. Den lange, ledende mur gir mulighet for mer abstrakt informasjon via datateknologi og video. Muren kan også virke som informasjonsvegg inn til museets hovedinngang.

Den store dimensjonen i byggekunsten er bymuren og demningen. Bymuren som beskytter den åndelige energi mot naturens grusomheter, og demningens store murverk som forløser naturens energi og gir stedet sin geografiske frihet.

Her var engang et vakkert landskap med gressvold og en gruppe hus – et åpent landskap på en kolle som nu skjuler seg bak dagens kunstige beplantninger og tilfeldige vekster. Ved å bygge vassdragsmuseet kunne det gamle kulturlandskapet gjenerobres.

Fakta

Lukket konkurranse 1994, 1. pris

English Summary
National Waterways Museum, Suldal - Invited competition 1994, First prize

Architect Sverre Fehn. Collaborator: Henrik Hille. Consult. structural engineer: Terje Orlien AS

The walls that cling to the side of the mountain find their rhythm in the natural formations of the terrain. In contrast, the opposite wall symbolises the precise, straight lines of the dam. The exhibition unfolds between these two extremes.

Museum must reflect the adventure of hydropower development in Norway. The basic elements from which we take our cue are:

1) dams, the collection of water, the calm surface;

2) the vertical drop, the waterfall and its latent energy;

3) the culture that was born around the Norwegian waterways.

How are these elements treated in the 

meeting between technology and nature? Which operations must be performed in order to generate as much energy as possible between the waterfall and the power line?

The landscape provides the necessary impulses for an architecture which describes the content of the museum. The museum is located close to the rock face. This gives opportunities for a structure that follows the steep formations of the rock and is anchored directly to the bedrock.

In the light that falls down the mountain face, we find motifs for the waterfall, the river, the turbines. In the floor we envisage «wells» for scale models – some filled with water from small «rivers» created in clefts in the floor. They are linked by realistic details from the development of hydropower technology. The long leading wall provides space for more abstract information through computers and video screens. The wall may also function as an information wall adjacent to the museum’s main entrance.

The large dimension in building design is represented by the city wall and the dam. The city wall which protects spiritual energy from the cruelties of nature, and the great wall of the dam which releases natural energy and gives the place its geographical freedom.

Here there was once a beautiful landscape with a grassy slope and a group of houses – an open landscape on a hill which is now hidden behind today’s artificial cultivation and casual growth. Building the National Waterways Museum enabled us to rediscover the old cultural landscape. 

Norsk Vassdragsmuseum, Suldal
Publisert på nett 13. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Aukrustsenteret, Alvdal
Prosjekt

Aukrustsenteret, Alvdal

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1993

Aukrustsenteret, Alvdal

Aukrustsenteret, Alvdal

Forløsningen av prosjektet kom da vi erkjente platåets betydning i det landskapelige bilde, og det falt naturlig å reise en monumental søylerekke mot det urørte dalføret.


Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
Aukrustsenteret, Alvdal
 
Arkitektens beskrivelse

fKonstruksjonens primitivitet prøver på en naiv men original måte å gi bakgrunn for Kjell Aukrusts mangfoldige kunstneriske uttrykk. Den skrå veggen er like enkel som å sette hesjestaur mot en låvevegg.

Som en strek i landskapet ligger Aukrustsenteret i Alvdal. Som en demning samler den store veggen i byggets lengderetning Kjell Aukrusts tegninger med motiver fra den bygden han en gang forlot. Mellom de store, runde tresøylene flyter hele tiden kunstnerens impulsverden inn i de forskjellige rom.

Den langstrakte arkitekturen setter en grenselinje mellom det gamle og det nye Alvdal – mellom jordbruk og småindustri og gjennomgangstrafikken nordover. Kornåkeren strander som et hav mot byggets store, stensatte sokkel. Den vil redde bygget fra oversvømmelser fra elven Glomma, som renner gjennom bygden. Åkerenes vakre vekstsyklus, fra kornet blir sådd om våren til aksene skjæres om høsten, gir deg årstidenes nærvær. 

Veien til byggeplassen gikk gjennom Østerdalens skoger – med morgenlyset som siles mellom furustammene, elven Glomma som siger gjennom det bløte dalføret, vannet som danner de klare speilflater over de stille sandbanker, og stengjerdene rundt kirkenes gravplasser ... Så ved reisens slutt hadde bygget funnet sine materialer: stener til tørrmurene, sanden til de konstruktive betongelementer, det slipte betonggulvet, furuen som alt trearbeidet er formet av. Og mellom alt dette spenner glasset som en gjennomsiktig hud.

En snur seg, ser tilbake og tenker at arkitekturen iscenesetter landskapet. Den gir deg solnedgangen fra promenaden som ligger i kornåkeren, og lysets skiftende kvaliteter på Trondfjellets store fjellrygg.

Fakta

Lukket konkurranse 1993 - 1. pris

English Summary
The Aukrust Centre, Alvdal - Invited competition 1993, First prize

Architect: Sverre Fehn. Collaborator: Henrik Hille

The project fell into place when we recognised the importance of the plateau for the image of the landscape, and it seemed natural to raise a line of monumental pillars against the untouched valley beyond.

The primitive design of the structure attempts in a naive but original way to provide a background for Kjell Aukrust’s versatile artistry. The diagonal wall is as simple as leaning fence poles against a barn.

The Aukrust Centre in Alvdal lies like a line in the landscape. Like a dam, the large wall along the length of the building gathers up Kjell Aukrust’s drawings, with motifs from the rural community he once left. Between the large, wooden pillars, the impulsive world of the artist flows continuously into the spaces.

The elongated architecture marks the borderline between the old and the new Alvdal; between agriculture and small industry and the through traffic heading north. The cornfield breaks like an ocean against the high stone base, which will protect the building from flooding in the River Glomma. The visitor is close to the beautiful seasonal cycle of the fields, from the spring sowing to the autumn reaping.

The road to the site ran through the forests of the Østerdalen valley, with the morning light filtering through the pine trees, the river Glomma flowing gently through the soft valley floor, the water creating clear mirrored surfaces over quiet sand banks, and the stone walls around church graveyards ... At the end of the journey the building had found its materials; stones for the dry walls, sand for the structural concrete elements and the ground concrete floor, pine for the wood-work. Between all this, the glass stretches like a transparent skin.

You turn round, look back, and imagine that the architecture sets the stage for the landscape. It presents the sunset from the promenade that lies in the cornfield, and the changing light on the great ridge of Trond mountain.

Aukrustsenteret, Alvdal
Publisert på nett 13. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Atelier Holme, Hurum
Prosjekt

Atelier Holme, Hurum

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1996

Atelier Holme, Hurum

Atelier Holme, Hurum

Gjennom store deler av min praksis har jeg tegnet atelier for Ingolf Holme på samme tometområde. Der er først nu Holme har realisert sitt prosjekt – efter en skisse fra 70-årene.


Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
 
Atelier Holme, Hurum
 
Atelier Holme, Hurum
 
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
 
 
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
 
Atelier Holme, Hurum
 
Atelier Holme, Hurum
Atelier Holme, Hurum
Arkitektens beskrivelse

Tomten ligger i Hurum, ved Holmsbu. En stupbratt fjellvegg i rød granitt begrenser området mot sydøst. Resten av arealet flater ut mot sydvest, mot vei og dalføre. Dette har gitt et markant rom å tilpasse husets forskjellige funksjoner i.

Atelierdelen ble lagt mot fjellveggen, for å skaffe et «nøytralt» lys i selve atelieret og for å skape et utvendig arbeidsområde isolert fra trafikk og innsyn. Ved å plassere den kvadratiske plan diagonalt på tomten oppstod naturlige avgrensninger mellom arbeidsområdet for maleren og haveanlegget. Det svakt skrånende terreng mot sydvest ble utnyttet til oppholdsterrasse med overdekket uteplass.

Byggherren har vist en enorm entusiasme for huset og fulgt byggeprosessen med artistens profesjonelle sans for presisjon. Et spørsmål vil bli stående når man studerer Holmes billeder: Er det husets geometri som har påvirket hans produksjon, eller er det hans billeder som ubevisst har dirigert arkitektens løsning?

Fakta

Huset er også kalt Villa Holme. Villa Holme er det siste av private hjem, av tilsammen 13, som Sverre Fehn tegnet.

Link til flere bilder: http://www.villaholme.no/

Link til 3d scann av huset gjordt av Bolig og eiendomsfoto AS: https://my.matterport.com/show...

English Summary
The Holme Studio, Hurum

Architect: Sverre Fehn. Collaborator: Henrik Hille. Consult. structural engineer: Terje Orlien AS

Through a large part of my working life, I have been designing a studio for Ingolf Holme on the same site. Only now has Holme realised his project – based on a sketch from the 1970s.

The site is in Hurum, close to Holmsbu. A steep red granite cliff borders the site to the south-east. The rest of the site flattens out to the south-west, towards the road and the valley. This has provided a defined space in which to fit the various functions of the house.

The studio area was located towards the cliff, in order to provide «neutral» light for the studio itself and to create an external working area sheltered from traffic and view. By placing the square plan diagonally on the site, natural boundaries were formed between the painter’s working area and the garden. The gently sloping terrain to the south-west was used for a terrace with a covered outdoor area.

The client has demonstrated enormous enthusiasm for the house and has followed the construction process with the artist’s professional sense of precision. One question will remain when you study Holme’s paintings: is it the geometry of the house which has influenced his production, or have his pictures subconsciously controlled the architect’s design?

The house is also called Villa Holme. Villa Holme is the last private home, of a total of 13, which Sverre Fehn designed.

Atelier Holme, Hurum
Publisert på nett 14. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Det Kongelige Teater, København
Prosjekt

Det Kongelige Teater, København

Arkitekt Sverre Fehn AS, 1996

Det Kongelige Teater, København

Det Kongelige Teater, København

Foajeen som skapes mellom alle teaterscenene, rommet som ble formet ved å lytte til de gamle bygningene ... Jeg tror Pierre Boulez vil finne igjen motiver fra Marcuskirken i Venezia, hvor Palestrina skapte sine orkesterverker ved å nytte broene mellom kuppelkonstruksjonene for oppstillingen av sine musikere slik at lyden kunne fylle rommet fra mange kanter ... Jeg tror den danske komponisten Per Nörgård vil finne hjem for sine komposisjoner, eller nordmannen Arne Nordheim ... og det store tregolv kunne ta imot Grotovskys iscenesettelser av middelalderdramaer – et scenerom som kunne huse hele den moderne bevegelse, som igrunnen stoppet opp på grunn av mangel på romlige utfordringer. 


Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
 
Det Kongelige Teater, København
 
 
Det Kongelige Teater, København
Konstruksjonselementer.

Konstruksjonselementer.

Det Kongelige Teater, København
 
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
 
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
 
 
"...og det store tregulvet kune ta i mot Grotowskys iscenesettelser av middelalderdrama---"

"...og det store tregulvet kune ta i mot Grotowskys iscenesettelser av middelalderdrama---"

Det Kongelige Teater, København
 
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
 
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
Det Kongelige Teater, København
 
Arkitektens beskrivelse

Kongens Nytorv er et fantastisk geografisk sted i København. På den ene siden representeres reisen ut med de store båter, og på den andre siden kan man begi seg inn i byens pulserende liv.

Det nye teateret vil bli bygget mellom Peder Skrams gate og Tordenskiolds gate, forholdsvis anonymt inne i kvartalet, i skyggen av Stærekassen. Det viktige ved dette prosjektet er at hele det nye kom-plekset med alle de fem teaterscenene skal kunne kommunisere med den store plassen, og også – som vi nå har mulighet til – kommunisere med dokksiden.

På grunn av Stærekassens monumentalitet får inngangspartiet en størrelse og utforming som gjør at det vil virke utrolig luftig under sin hvite skallkonstruksjon, i kontrast til de mer lukkede omkringliggende fasader. Den vil sveve som en slags fuglevinge over en del av de gamle bygningene.

Inne i foajeen ligger Stærekassen som et opplyst smykke, og den danner målestokken for den store og luftige bakenforliggende foajédelen.

En teatersal er en lukket sal, hvor man sitter stille på sin nummererte plass i flere timer, og derfor er det deilig å kunne komme ut i et stort, åpent rom. I dette rommet tar man del i livets virkelige teater, og via trapper, broer og plan skapes bevegelse.

Foajeen har også kapasitet til å fungere som et levende sted for forskjellig-artede kulturaktiviteter. I tilknytning til dette vil det også komme en bok-café.

Broene, for eksempel, blir skuespillerens bindeledd mellom de gamle garderober, og de nye scener. På den måten har også skuespilleren mulighet til å ta del i foajeens pulserende liv.

På toppen av teaterbygget har vi valgt å plassere den store restauranten, som gir deg Københavns vakre skyline, med sine kjente kupler og tårn. Dette blir i kontrast til at man senere beveger seg ned på foajeens gulv, og ut i den urbane situasjon.

Når man kommer ut fra teateret, blir man møtt av en atmosfære som forhåpentligvis vil gi en levende kontrast til det man nettopp har opplevd inne i illusjonens verden.

Her får Kongens Nytorv et bygg som åpner seg opp, og ønsker deg velkommen, samtidig som det blir en poetisk hendelse – et supplement til plassens allerede mangfoldige arkitektoniske utrykk.

Fakta

Kunkurranse - 1.premie.

English Summary
The Royal Theatre, Copenhagen

Architect: Sverre Fehn. Collaborators: Henrik Hille and Ervin Strandskogen

The design of the foyer that provides a link between all the theatres emerged from listening to the old buildings ... I believe Pierre Boulez will recognise motifs from St. Mark’s Church in Venice, where Palestrina created his orchestral works by placing his musicians on the bridges between the domes so that the sound would fill the room from many directions ... 

I believe Danish composer Per Nörgård will find a home for his compositions here, or Norwegian Arne Nordheim ... and the spacious wooden floor could provide a setting for Grotovsky’s productions of medieval drama – in fact for the entire modern movement, which really came to a halt because of a lack of spatial challenge.

Kongens Nytorv is a fantastic geographical location in Copenhagen. On one side is the outward journey, represented by the great liners in the dock, and on the other side the inward journey, to the pulsating life of the city.

The new theatre will be built between Peder Skrams gate and Tordenskiolds gate, fitting fairly anonymously into the block in the shadow of the building commonly known as Stærekassen, «The Starling Box». The important point about this project is that the entire new complex, and all five theatres, must be able to communicate with the great square, and also – since we now have the opportunity – with the dockside.

Due to the monumental nature of Stærekassen, the entrance will be of a size and design that make it seem unbelievably airy under its white shell structure, in contrast with the more enclosed facades that surround it. It will float like a kind of bird’s wing over some of the old buildings.

Inside the foyer, Stærekassen lies like an illuminated jewel, providing the scale for the large, airy foyer behind.

A theatre is an enclosed room where you sit still in your numbered seat for seve-ral hours, and it is therefore delightful to be able to emerge into a large, open space. 

In this space you become part of the real theatre of life, and movement is created by stairs and bridges linking the various levels.

The foyer has sufficient capacity to function as a lively venue for various types of cultural activity. There are also plans for a book café.

The bridges, for example, will be the actors’ link between the old dressing rooms and the new theatres. The actors will therefore also have the possibility of participating in the busy life of the foyer. 

We have chosen to locate the large restaurant at the top of the building, with views across the familiar domes and towers of Copenhagen’s beautiful skyline. It provides a perspective very different from  the floor of the foyer and the urban situation beyond.

When you emerge from the theatre, you will step into an atmosphere which hopefully provides a lively contrast with the world of illusion you have just left. 

With this project, Kongens Nytorv will gain a building which opens up and wishes you welcome. It will also be a poetic event – a supplement to the diversity of architectural expression that already exists in the square.

Det Kongelige Teater, København
Publisert på nett 14. desember 2018. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 2 – 1997. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Ikke natur, men kultur
Bokomtale

Ikke natur, men kultur

Av David Leatherbarrow

Ikke natur, men kultur
  • Tittel: AsBuilt 10: Villa Schreiner
  • Forfatter: Nina Berre og Mari Lending (red.)
  • Utgivelsesår: 2014
  • Forlag: Pax forlag / Nasjonalmuseet
  • Antall sider: 158

Denne boken presenterer både et bygg og et argument. Argumentet er, i korte trekk, dette: både bygget og dets arkitekt sier ja og nei til den nordiske tradisjonen. Verket kan ikke skilles fra den nordiske verden fordi det fysisk sett er plassert i en nordisk hoved­stad, på nordisk mark. Samtidig henspiller tittelen og innholdet i arkitektens beskrivelse på andre deler av verden: Japan, Frankrike og engelsktalende land. Helt fra begynnelsen av er det derfor andre horisonter, og andre former for horisonter, som blir trukket inn: bygningens geografi, arkitektens kultur og de romlige forholdene som han mente var grunnleggende menneskelige. Når det gjelder tomten, så står ikke bygget i ­uberørt natur, men i en av Oslos nyere forsteder. 

Villa Schreiner. Den ene halvdelen av navnet er innlysende: Per og Berit Schreiner samarbeidet nært med Sverre Fehn i planleggingen og detaljeringen av prosjektet. Men er det en villa? Hvis begrepet er ment å inkludere både huset og landskapet rundt, kan svaret være ja, men i motsetning til antikkens og renessansens villaer, og enkelte moderne eksempler, er ikke landskapet rundt produktivt. En annen modell blir antydet av byggets størrelse og kompakte bruksfokus, som en skipskabin.

Sort-hvitt-fotografiene i begynnelsen av boken skaper en elegisk stemning, som antyder at forfatteren og arkitekten ønsker å minne oss om at alt er forgjengelig: det sterke lyset og den varme luften i det norske klimaet, og også de selvinnlysende påstandene om moderne arkitektur. 

Mari Hvattums elegante, klare og kraftfulle beskrivelse av prosjektet i de innledende essayene tar for seg tre arkitektoniske emner: omhegning, konstruksjon og plassering. Plan og snitt bestemmes av modulariteten, som også gir fleksibilitet innenfor et regelmessig mønster. Bygningens søyle-dragerløsning har en romlig mening som kan forklares og leses, som om verket har en historie å fortelle. Det blir trukket linjer til Jean Prouvé, og også, overraskende nok, til Mies van der Rohe. Hvattum konkluderer sin nyanserte gjennomgang av ulike typer åpninger ved å introdusere utfordringen ved å finne plass til bygget – ikke for å fange utsikten, men som en respons på byggherrens daglige vaner og rytmene i døgnet og årets tider. 

“Mari Hvattums elegante, klare og kraftfulle beskrivelse av prosjektet i de innledende essayene tar for seg tre arkitektoniske emner: omhegning, konstruksjon og plassering.”

De samme temaene blir behandlet mer bredt i bokens andre del, som er en gjennomgang av Fehns uttalelser, beslektede prosjekter og den samtidige utviklingen innenfor moderne arkitektur. PAGON blir nevnt, i tillegg til Fehns samarbeid med sentrale arkitekter i Norge – Arne Korsmo, Geir Grung og Christian Norberg-Schulz – og internasjonalt, spesielt Le Corbusier. Et nydelig Fehn-sitat blir brukt for å oppsummere både boken og bygget: ”Et hus er ikke natur, det er kultur”. Den frittstående søylen man møter ved inngangen til Villa Schreiner viser ikke bare både regelen og fleksibiliteten i modulbasert planlegging, men også sammenhengen mellom byggets vertikale elementer og menneskekroppens oppreiste stilling; på samme tid fysisk, sosial og etisk. Soverommets søylefrie hjørne åpner seg vakkert ut mot det større landskapet – ikke først og fremt for å skape en ubrutt kontinuitet, men heller for å gi en følelse av noe radikalt annerledes; mens noen aspekter ved omgivelsene kan tillates, må man motsette seg andre. Vi må se på det moderne rommets frie flyt mellom inne og ute med nye øyne. Hvattum ser på dette som en kamp, en produktiv konflikt: en sammen­fallende uforenlighet.

Som med alle bøkene i asBUILT-serien, er denne nydelig utformet, fantastisk informativ og essensiell for å tenke nytt rundt et bygg man trodde at man kjente.

Fakta

Oversatt fra engelsk av Åsne Maria Gundersen og Ingerid Helsing Almaas.

Foto: design.upenn.edu
David Leatherbarrow
David Leatherbarrow er professor i arkitektur ved University of Pennsylvania.
Ikke natur, men kultur
Publisert på nett 30. september 2016. Opprinnelig publisert i Arkitektur N nr. 5 – 2016. For å få full tilgang på alt innhold i Arkitektur N kan du kjøpe eller abonnere på papirutgaven.
Formundervisning 1959-63
Artikkel

Formundervisning 1959-63

Av Sverre Fehn